Un villancico es en la actualidad una canción cuya letra hace referencia a la Navidad. Se canta tradicionalmente durante el mes de diciembre en torno a la Navidad.

En sus orígenes, en el siglo XV, villancico es un término empleado para designar a una composición poética de carácter popular. Literariamente consiste en un estribillo de tres versos, unas coplas de cuatro, uno o dos versos de enlace y repetición de los últimos versos del estribillo, que reciben el nombre de vuelta.

La temática del villancico distaba mucho de tener un carácter religioso. Entre las composiciones conservadas en el Cancionero de Palacio, una de las fuentes musicales más antiguas del género, aparecen villancicos con los contenidos más dispares, desde textos amorosos a violentas e irreverentes sátiras, pasando por composiciones que celebran algún destacado acontecimiento, así como cantos en alabanza de Cristo o la Virgen María. Por lo tanto, se trata de un género en el que no hay restricciones de contenido y cuya finalidad, aunque tenga tema religioso, no es nunca una ceremonia litúrgica. El compositor más destacado de este periodo es Juan del Enzina.

Durante la segunda mitad del siglo XVI coexisten dos tipos de temática en el villancico: la profana y la religiosa. Los ejemplos de villancico religioso existen ya en la época anterior, si bien son puntuales. Posteriormente, adquiere una importancia cada vez mayor los asuntos religiosos debido a que las autoridades eclesiásticas empiezan a considerar la conveniencia de introducir en la liturgia composiciones en castellano, compuestas en el estilo sencillo y directo del villancico, como una forma de acercar al pueblo a los misterios de la Fe católica, especialmente durante las celebraciones correspondientes a la Navidad y al Corpus Christi. Se convertirá en una de las principales obligaciones del maestro de capilla la composición de villancicos diferentes cada año para las principales fiestas del calendario litúrgico.

En el siglo XVII se produce un aumento en la complejidad técnica y formal el villancico. Frente a las tres o cuatro voces del siglo XVI, lo habitual es la composición para ocho voces distribuidas en dos coros dispuestos en diferentes lugares de la catedral y acompañados de arpa, violón y órgano. La interpretación de villancicos se hace cada vez más frecuente a pesar de las censuras de que es objeto por parte de las instituciones conservadoras. Ya en 1596 Felipe II había ordenado que no se cantaran villancicos en la Capilla Real, prohibición que como sabemos, no tuvo ningún efecto.

El siglo XVIII es el triunfo definitivo del estilo operístico italiano, el cual se adueña de todos los países europeos. En España sucede lo mismo, y no sólo en el terreno de la ópera y de la zarzuela, sino también en otros géneros, como es el caso del villancico.

Quizá el villancico más antiguo que aún se cante sea el Adeste Fideles usado en la Bendición durante la Navidad en Francia, España, Portugal e Inglaterra desde fines del siglo XVIII. Se cantaba en la misión portuguesa en Londres en 1797 y todavía hoy es llamado en muchos países "El Himno Portugués". El villancico invita a los fieles a venir a Belén a adorar al Salvador recién nacido. Es probable que su autor sea el rey Juan IV de Portugal, el Rey Músico, nacido en 1604.

El siglo XIX nos ha dejado, así mismo, dos de los villancicos más cantados en la actualidad. Comencemos por el Angels We Have Heard on High, más conocido por el Gloria, un villancico tradicional de origen francés. Su versión en inglés más común fue traducida en 1862 por James Chadwick. El villancico rápidamente se hizo popular en el oeste del país. La canción conmemora la historia del nacimiento de Jesucristo en el Evangelio de Lucas, en la que los pastores encuentran una multitud de ángeles cantando y alabando el hijo recién nacido.

El otro villancico del siglo XIX es O Tannenbaum, un villancico de origen alemán. Un Tannenbaum es un abeto o árbol de Navidad. Durante mucho tiempo, sus cualidades perennes han inspirado a músicos para escribir canciones sobre el "Tannenbaum". La versión más conocida fue escrita en 1824 por el organista de Leipzig, maestro y compositor Ernst Anschütz aunque la música es una antigua melodía popular y las primeras letras conocidas del O Tannenbaum datan de 1550.

En la actualidad el término "villancico" se ha convertido exclusivamente en sinónimo de canción de Navidad, preferentemente de origen popular, que puede estructurarse de cualquier forma y que también podemos utilizar para referirnos a una canción navideña de cualquier nacionalidad. No hemos de olvidar pues que en su origen el villancico fue un género exclusivamente español y que tuvo muy diversos usos a lo largo de su historia. A pesar de todo, en los villancicos actuales perviven algunas características del antiguo villancico, como es la estructura de estribillo y coplas, la frecuente aparición de personajes populares y la inclusión en algunas ocasiones de textos relativamente atrevidos, por ejemplo: "En el portal de Belén han entrado los ratones… En conclusión, podemos decir que el villancico actual mantiene algunos elementos básicos desde sus orígenes, si bien ha perdido su antiguo esplendor para convertirse en un género popular.

Con el descubrimiento del nuevo mundo, el villancico también cruzó el charco y atracó en Sudamérica. Hoy en día aún se pueden encontrar a lo largo y ancho de la geografía latinoamericana.

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Desde tu emisora amiga y en especial desde tu programa preferido queremos desearte una feliz Navidad deseando que el próximo año nos sigas acompañando y venga repleto de todo aquello que necesites

El Yodel o garganteado no es un género musical, sino una forma de canto en la que la voz produce cambios rápidos de tono en el registro vocal, haciendo un característico sonido melodioso. Esta técnica vocal se puede encontrar en diferentes culturas y en diferentes géneros musicales a lo largo del mundo. Se cree que el Yodel surgió con la domesticación de los animales hace más de 10.000 años. Los pastores necesitaban un sistema de comunicación que les permitiera comunicarse con el rebaño y con otros pastores a larga distancia. Es una canción sin palabras, sólo cabe la gesticulación sonora. El nombre se puede decir que proviene de una onomatopeya debido a que cuando se canta se suele mencionar palabras como "Hodaro", "Iohodraeho", "Holadaittijo" y algunas otras de la invención de los cantores.

El yodel es comúnmente conocido como canto tirolés porque es en esa región donde más se ha desarrollado. En el yodel se alterna de la voz pectoral, más profunda, a la voz alta de cabeza (falsete). El falsete alto se escucha desde muy lejos, pues el sentido original del yodel era hacerse oír a través de grandes distancias.

El yodel es una importante tradición en todos los países europeos bajo la influencia de los Alpes, principalmente Suiza, Austria e Italia aunque se puede escuchar así mismo en Alemania o Francia, entre otros. En Suiza el yodel generalmente se oye como parte de una canción folclórica. Las canciones con yodel aparecieron en Suiza hace unos 150 años, cuando las ciudades crecieron y cada vez más chimeneas de fábricas ensombrecían el cielo. En aquel entonces mucha gente extrañaba la vida rural y encontraba consuelo en la música y los bailes folclóricos.

Se suele cantar al aire libre y los mejores lugares para hacer yodel al estilo Alpino son aquellos que muestran eco, esto incluye lagos, paredes rocosas, etc. Verdaderamente en cada montaña existe un estilo diferente y depende de la acústica, e incluso tiene diferentes denominaciones; por ejemplo, en Alm se denomina Almschroa y en Juchzer, Juchetzer. El yodel, además, se emplea para la conducción del ganado, por esto se denomina también (Viehruf).

El yodel se suele cantar también en grupo. Algunos de los grupos más conocidos son los "Appenzeller" de la región de Appenzell y los "Bravourjodler" de la región del Tirol que interpretan el yodel según los gustos de la gente de la zona.

 El más conocido cantante de Yodel en los Alpes es el intérprete bávaro (Alemania), denominado como el rey del Yodel, Franzl Lang. Criado en Munich, Lang comenzó a tocar la acordeón con nueve años. Su mayor éxito fue una composición de 1968 "Kufsteinlied." Durante muchos años en la década de los 70, fue una característica permanente de espectáculos de variedades musicales en la televisión alemana. Ha vendido más de 10 millones de grabaciones; ha ganado 20 discos de oro y un disco de platino dentro de la industria discográfica alemana.

Hoy la música folklórica suiza es una orientación musical entre otras muchas. A muchas suizas y suizos, especialmente a los más jóvenes, no les gusta para nada esta música, que denominan «Hudigäägeler» y muy pocos saben cantar garganteado. A lo sumo les gustan las frescas canciones garganteadas de Christine Lauterburg. Esta cantante y actriz conjuga la tradición yodel con el pop y el dance.

Por otro lado, a lo largo del siglo XVII emigrantes de origen checo, francés, alemán, suizos, irlandeses o ingleses empezaron a llegar a las colonias huyendo de la miseria y aportando consigo una mezcla primaria de canciones folk, baladas, bailes y piezas instrumentales.

Con el paso de los años los sureños norteamericanos, establecidos a lo largo del territorio de los Apalaches, fueron olvidando las baladas heredadas de sus ancestros y adoptaron canciones de otras regiones, como las de los cowboys nativos, provocando la sutil transformación del folk original en el llamado hillbilly, palabra derivada del término hillbillies con el que se conocía popularmente a estos personajes. Músicos regionales como Jimmie Rodgers, en los años 20, grabarían viejas baladas y canciones sentimentales, usando técnicas vocales e instrumentos tradicionales de las montañas del sur. Jimmie, orientado al blues y al sonido del oeste, introdujo los yodels, una forma muy personal de entender los cantos suizos, rozando el falsete. Uno de sus seguidores sería Gene Autry. El yodel en el country ha sido utilizado posteriormente por numerosos cantantes. Entre otros podemos encontrar a la gran Dolly Parton o, más recientemente, Janet McBride de Montana.

Al contrario de lo que se podría pensar, el yodel no es exclusivo de Suiza o de Estados Unidos. Se encuentra prácticamente en todo el mundo excepto la Antártida, por ejemplo, en el oeste y el sur de África, Irán, la India, Rusia, Tíbet, países árticos, etc.:

• Es el caso de Sainkho Namtchylak, nacida en las estepas de Tuva, cerca de la frontera con Mongolia que ha investigado con su voz diferentes técnicas afines entre sí como las armonías intertonales de Mongolia, cánticos budistas, cánticos inuits (esquimales) y el yodel.
• En la misma línea de investigación encontramos al alemán Robert Zollitsch, que intenta conjugar las tradiciones vocales asiáticas y europeas.
• En África, más concretamente, en Camerún nos encontraremos con Francis Bebey. El yodel que practica este músico, en su estilo vocal, es de origen pigmeo. Quizás resulta un poco más nostálgico y se utiliza al igual que los estribillos de una canción occidental.
• En Hawai se encuentran The Ho’opi’i Brothers. Estos dos hermanos, Solomon y Richard, nacidos en la isla de Maui, combinan cánticos tradicionales hawaianos, himnos cristianos y sonidos yodel aprendidos en sus montañas nativas. Allí iban a cantar siendo niños y conocieron sus ecos naturales.

Uno de los estereotipos sobre el yodel es que está muerto o que sólo lo practican personas muy mayores. Una vez más, esto no es cierto. Sólo en los Estados Unidos, los ganadores de concursos de yodel son a menudo jóvenes, incluso preadolescentes. Es el caso de la ganadora del concurso de yodel de Yahoo del 2003, Taylor Ware, que tenía escasamente 9 años.

Por otro lado, el yodel ha inspirado a un gran número de cantantes de otras corrientes musicales. Sinead O’conner, una gran exponente de este estilo a finales de los 80’s, es un buen ejemplo. Ella inspiró luego a otros muchos cantantes de la escena Pop y Rock como Dolores O’Riordan, Alanis Morissette, Meredith Brooks, Sarah Mclachlan, Sheryl Crow y más recientemente Dido y Avril Lavigne. Algunos vocalistas de grupos de Rock como Alex Band del grupo “The Calling”, Chris Martin de “Coldplay” y Kurt Cobain de “Nirvana” hacen uso del Yodel en algunas de sus canciones.

El salto entre octavas del yodel tiene un efecto muy particular en las personas que lo escuchan. Manfred Bukofzer, en su libro “Magia y técnica en la música alpina, publicado en 1936, describe los poderes mágicos de las tonalidades alpinas, sobre todo cuando se combinan con las cualidades místicas de determinadas palabras. Los ecos, rebotando de ladera en ladera en las montañas alpinas, producen un estado de paz y tranquilidad.

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El Mbalax o Mbalakh es un género de música africana popular que se desarrolla en Senegal y Gambia, principalmente por  grupos de la etnia wolof.

El Mbalax es sin duda la música senegalesa más conocida en el mundo entero. Es una fusión de música popular occidental como el jazz, el soul, el rock y la música latina mezclados sabiamente con la música tradicional de Senegal, Gambia e, incluso, Mali donde se mezcla con las influencias de la música de origen musulmán.

El Mbalax tiene un ritmo endiablado y actualmente mezcla los instrumentos europeos (guitarra, flauta o trompetas) con los instrumentos tradicionales como el djembé, la tama que es un tambor que se coloca debajo de la axila para tocarlo o el kessing-kessing que son unas placas metálicas que se colocan en el djembé a fin de añadir un toque metálico al mismo. A su vez también hace la función de devolver al músico el sonido de su propio tambor, algo muy práctico cuando se toca en grupo.

El Mbalax, en su forma actual, fue desarrollado en Senegal en la década de los 70. Hasta ese momento la música popular estaba dominada por la haitiana kompa, el Soukous congoleño, la música americana, principalmente el soul y el funk, así como la música cubana interpretada por músicos senegaleses muy popular desde los años 40 cuando los marineros que llegaban al puerto de Dakar traían discos, sobre todo, cubanos; hacia el final de los años 50, tanto Senegal como sus vecinos de Guinea y Mali buscaban la independencia del régimen colonial y sus vínculos con la Cuba castrista favorecieron el ya incipiente interés por su música.

Influenciados por la filosofía de volver a las raíces y el retroceso del colonialismo, los músicos comenzaron a mezclar estos sonidos con música tradicional de Senegal forjando nuevos sonidos que incorporar a su nueva identidad nacional. Comenzaron a cantar en Wolof, el idioma nacional más extendido y más hablado de Senegal, en lugar del francés e incorporaron ritmos del tambor sabar indígena.

Entre las bandas que inician este nuevo estilo se encuentran la Etoile de Dakar, formada y liderada por Youssou N’Dour, y la Raam Daan liderada por Thione Seck. Ambas bandas popularizaron el Mbalax y su sonido se extendió a otras regiones como Malí, Mauritania, Costa de Marfil o Francia, la metrópoli de la que un día fueron colonia y adonde llegaban los emigrantes en busca de trabajo aportando sus nuevos sonidos musicales. Esta diseminación se produjo a través de la radio, las casetes de audio y los vídeo-clips televisados.

Tras actuar para varias bandas, Youssou N’Dour formó su propia banda en 1979, la Étoile de Dakar que más tarde pasaría a un segundo plano siendo Youssou N’Dour y la Super Étoile de Dakar. Con el paso de los años, N’Dour se ha convertido en uno de los músicos africanos más conocidos a nivel mundial, colaborando con estrellas de la música pop occidental como Peter Gabriel, Sting, Paul Simon, Bruce Springsteen o Tracy Chapman y africanos como Manu Dibango. En 1998 escribió e interpretó junto con la cantautora belga Axelle Red el tema Le Couer des Grand, himno de la Copa Mundial de Fútbol de 1998. En 2005 actuó en los conciertos Live 8 de Londres y París y el 2 de julio, dentro de la misma serie de conciertos y acompañado por la cantante Dido, en el Eden Project celebrado en Cornualles. También ha participado en una ópera estrenada en la Ópera de la Bastilla. Tiene un estudio de grabación, Xippi, y una compañía discográfica, la Jololi. En el 2005 recibió un Premio Grammy por su álbum Egypt.

Thione Seck es otro de los grandes cantantes y músicos de mbalax, a la par con Youssou N’dour en Senegal, aunque él no ha logrado el mismo nivel de fama fuera de su país. Seck proviene de una familia de cantantes griot, un tipo de narradores de cuentos, poemas y rapsodas tribales africanos. Con raíces de más de 1600 años de antigüedad el rol de los griot fue el preservar las genealogías y tradiciones orales de la tribu. Seck comenzó su andadura musical con la Orquesta Baobab. Más tarde formó su propia banda, la Raam Daan, que dirige todavía en la actualidad.

Su álbum Orientación fue uno de los cuatro nominados para el álbum de mejor música Word de la BBC3 radio del año 2006. En gran parte de su música y en particular en este álbum, Seck experimenta con el uso de escalas musicales de la India y árabes. En este álbum colaboraron más de 40 músicos norteafricanos, árabes y de la India, tocando diversos instrumentos creando una fusión de estilos. Seck ha declarado que las películas de Bollywood hindúes han sido una larga influencia musical para él y en este experimento de fusión se refleja eso.

Ismaël Lô es otro de los grandes músicos de Mbalax. Aunque nacido en Níger de padre senegalés, pronto regresaría a Senegal con su familia. Es un cantante y artista muy versátil que, además de cantar, toca la guitarra y la armónica. Por estas habilidades se le ha llamado en Bob Dylan africano. En los años 70 se unió al grupo Super Diamono, abandonándolo en 1984 para empezar su carrera como solista. Durante los cuatro años siguientes Lô grabó cinco álbumes de gran éxito. En 1990 Lô firmó un contrato musical con Barclay y grabó en Francia su sexto álbum: Jammu Africa. Gracias al éxito de su sencillo "Tajabone" el disco se convirtió en un hit en las listas europeas, lanzando así a Lô en su carrera internacional. Este mismo tema "Tajabone" fue incluido en la banda sonora de la película Todo sobre mi madre de Pedro Almodóvar.

Es el turno de Cheikh Lô nacido en Burkina Faso, comenzando muy joven a cantar y a componer música. Se unió pronto a la Orquesta Volta Jazz, grupo que tocaba tanto pop cubano o congoleño como música tradicional de Burkina Faso.

En 1978 Cheikh Lô se instala en Senegal y participa en distintas formaciones de Mbalax y para 1985 tocaba la guitarra con diversos grupos en Costa de Marfil o franceses, dándole la posibilidad de grabar algunos temas en París en 1987. Cuando se separa su grupo, se establece en París. Mientras toca con otros, desarrolla sus propios sonidos, una mezcla mbalax y reggae con influencias del sukus, música de origen congoleño y angoleña. En 1995 Youssou N’ Dour le propone producir su primer álbum: Ne La Thiass. Cheikh Lô es miembro de la Hermandad de las Mourides, una importante cofradía sufí, rama mística del Islam, que se ha desarrollado particularmente en Senegal y Gambia. Hoy en día juegan un papel importante política y económicamente en Senegal. El Presidente Abdoulaye Wade, elegido en 2000, es el primer Presidente de Senegal que pertenece a esa cofradía. Es por eso que Cheikh lleva su pelo con rastas, una característica distintiva de esta influyente comunidad musulmana en Senegal. Sin embargo, las influencias del reggae que se perciben en su música, así como su cabello llevan a menudo erróneamente a considerarle un Rastafari.

El mbalax evolució así mismo hacia sonidos latinos, principalmente gracias a la influencia de la Orquesta Baobab, conocidos como la Salsa Mbalax por mezclar la música cubana con la senegalesa. La Orquesta Baobab es una de las grandes bandas de baile del oeste de África de todos los tiempos. Se formó en Dakar en 1970 cuando un grupo de ministros del gobierno senegalés decidió crear un club discreto donde pudieran juntarse con sus amigos, decorando paredes y techo para que pareciera un baobab, el mítico árbol africano famoso por su longevidad y la acogedora sombra de su ramaje.

Al principio el grupo sólo tocaba los viernes, pero se hicieron tan populares que pasaron a hacerlo diariamente. A finales de los 70 eran aclamados como la mejor banda de toda África, estatus compartido con la Benbeya Jazz de Guinea liderada por Sekou Toure.

A lo largo de los años, el grupo acogió a numerosos artistas invitados acentuando su multiculturalismo. En 1979 cerró el Club Baobab y la orquesta se trasladó al Club Ngalam. Llegados los 80 llegó el clímax de su éxito. En 1985, en lo que resultó un vano intento de ponerse al día, el grupo introdujo tambores sabar en su formación, e incluyó a los cantantes Ndeye Seck y Nattou Sarr. Sin embargo los cambios no funcionaron y el grupo se disolvió en 1987 y los miembros del grupo se dispersaron. El éxito de sus discos en Europa, ha hecho que volvieran a los escenarios, sin embargo la empresa no ha sido fácil y en algunos casos ha sido un trabajo casi detectivesco.

En la misma línea, a inicios de la década de los 90, aparecería lejos de África el grupo Africando, conformado por músicos y vocalistas neoyorquinos y puertorriqueños, así como por reconocidos vocalistas y músicos de Senegal. Africando fue un proyecto musical iniciado por Ibrahim Sylla, productor de Costa de Marfil y el arreglista de Fania All Stars, Boncana Maiga. Algunos de los músicos inicialmente pertenecientes a Africando fueron: Ronnie Baro de la Orquesta Broadway, Pape Seck exmiembro de la Star Band, Nicholas Menheim asociado a Youssou N’Dour y Medoune Diallo proveniente de la Orchestre Baobab. Los dos primeros álbumes fueron un gran éxito tanto en África como en el resto del mundo. Para el álbum "Mandali", participaron músicos africanos reconocidos, como Tabu Ley Rochereau, Koffi Olomide, Salif Keita, Sekouba Bambino, Amadou Balaké y Thione Seck. Esta nueva constelación de estrellas llevó al surgimiento de la nueva denominación de la banda: Africando All Stars. Si bien, en un principio las canciones grabadas son clásicas de América Latina cantadas en lengua wolof o una mezcla de español y wolof, las más recientes canciones son clásicos de la música popular de África, re-elaboradas con ritmos latinos y la instrumentación tradicional de la salsa afrolatina. Con ambos métodos, Africando sigue siendo igual de exitosa. Con el álbum Martina de 2003 el nombre del grupo volvió al nombre Africando, entre los cantantes invitados se incluyen Ismaël Lô de Senegal y Nyboma y King Kester Emeneya que grabaron el tema de Papa Wemba "La Référence".

La música Rap también ha tomado partido para dar el estilo Rap Mbalax a grupos como Positive Black Soul, Daara J, Bamba J. Fall, Black Mbolo, etc. Esta generación de nuevos músicos jóvenes aprovechan el legado cultural e incorporan su particular visión, mediante fusiones y arreglos novedosos. En la base de sus composiciones se puede escuchar el Mbalax, la salsa Mbalax y el reggae junto al RnB, el hip-hop o el dance.

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