El porro es uno de los variados géneros musicales colombianos. Nacido y desarrollado principalmente en la costa atlántica o región caribe (en los departamentos de Córdoba, Sucre, Bolívar y Atlántico) de Colombia, posteriormente se ha ido extendido a otros lugares como Venezuela, Ecuador y Panamá entre otros. El porro es una verdadera cultura. Es una expresión popular, un estado de ánimo, un estilo estructurado, reconocido y vivido por todos que se toca, se canta y se baila.

Musicalmente es un ritmo muy alegre y fiestero propicio para el baile en parejas. Se ejecuta en compás de 2/4; el mismo del pasodoble y el tango. Pero como tampoco en la música faltan discrepancias, se sostiene que su verdadero compás es el 4/4; el mismo de la samba. Ambos se tocan en lo que se llama “compás partido”, que para algunos es el mismo 2/4.

Una de las teorías existentes sostiene que el porro nació en la época precolombina, a partir de los grupos gaiteros de origen indígena, luego enriquecido por la rítmica africana. Más tarde evoluciona al ser asimilado por las bandas de viento de carácter militar, que introdujeron los instrumentos de metal-viento europeos (trompeta, clarinete, trombón, bombardino o tuba) que hoy en día se siguen utilizando.

Por otro lado, existe otra teoría que dice que su principal fuente creativa se encuentra en elementos rítmicos de origen africano, principalmente de antiguas tonadas del pueblo Yoruba, que en el Sinú y el San Jorge dieron lugar al surgimiento del “baile cantado”. Por informaciones de tradición oral, se supo que el porro también se tocó sólo con tambores y acompañamiento de palmas y cantado. Lo mismo que con gaitas y pito atravesado.

La pretensión de darle un lugar único de nacimiento en la costa caribe colombiana, no ha logrado siquiera un mínimo consenso, y quizá nunca se logre. Según el escritor y cineasta Juan Ensuncho Bárcena, el porro es oriundo de San Marcos del Carate, otros dicen que nació en Ciénaga de Oro, alguien sostiene que es oriundo del Magdalena, también se dice que nació en el Carmen de Bolívar y de allí migró hacia otras poblaciones de la sabana, hasta llegar al Sinú. También reclaman derechos de paternidad sobre el porro: Corozal en el departamento de Sucre y Momil y San Antero en el de Córdoba.

Todas estas hipótesis hacen referencia al porro de tipo sabanero o “tapao” ya que del “palitiao” se acepta comúnmente que su nacimiento se dio en San Pelayo y para que no haya dudas, se ofrecen lujo de detalles, como los que aporta Orlando Fals Borda: "Nació en 1902, en la plaza principal del pueblo, detrás de la iglesia y debajo de un palo de totumo".

En cuanto al origen de la expresión PORRO se conocen dos hipótesis principales: la de que proviene del porro, manduco o percutor con que se golpea al tambor o bombo y su acción el porrazo y la que sostiene que es derivada de un tamborcito llamado porro o porrito con el que se ejecutaba este ritmo antiguamente.

Como ya he dicho antes, El porro tradicional se suele clasificar en dos categorías principales: el porro palitiao y el tapao.

· El “palitiao” toma su nombre por la forma en como se golpea con el percutor una tablilla incorporada al aro del bombo o externa a este. Esto ocurre al momento en que el bombo queda en silencio y el clarinete toma el rol protagonista. Se encuentra estructurado en cuatro partes o secciones: danza, porro, bozá y, de nuevo, danza. Las danzas, de cortos compases, dan inicio y fin a la obra como en una especie de anuncio. La sección porro se identifica por estar dominada por el sonido de la trompeta o trompetas y la “bozá” por ser el momento en que predomina el sonido del clarinete y en el que suele suspenderse la percusión del bombo e iniciarse el golpeteo del palo sobre la tablilla, el palitiao. Es conveniente aclarar que estos elementos característicos del porro “palitiao” no están presentes siempre en todos lo temas.

· Por su parte el porro “tapao” o sabanero se llama así por la predominante forma con que el ejecutante del bombo tapa con la mano el parche opuesto al que percusiona y carece de la sección “bozá”.

La riqueza musical del género permite la improvisación a cargo de cada instrumento o grupo de estos. Es por esto que algunos lo comparan con el Jazz. Se desconoce si los músicos que desarrollaron esta modalidad del porro conocían siquiera la existencia del Jazz. El porro improvisado, ¿estaba allí antes de que surgiera el Jazz? ¿Se trata acaso de una comparación exagerada?

Un grupo de músicos franceses de la región Borgoña, que conforman desde 1997 una banda inspirada en las colombianas, la Banda Alborada, resaltan el hecho de que las bandas “porrísticas” colombianas, al estar concebidas para actuar fuera, han desarrollado un sonido muy rico en armónicos agudos. Además la dinámica originada por las percusiones es de mucho empuje.

Hay dos tipos de agrupaciones que interpretan porro: las bandas y las orquestas. En su variante orquestada, alcanzó una amplia difusión nacional e internacional en las décadas de los 60 y 70. La cual estuvo a cargo de reconocidas agrupaciones como la de Lucho Bermúdez, Pacho Galán, Juan Piña, Billos Caracas Boys, La Sonora Cordobesa, Pedro Laza y sus Pelayeros, entre otras.

En esa época el porro entró en las más lujosas salas de baile de los clubes de toda Colombia y de otros países. Sin embargo, el porro perdió la popularidad nacional que había adquirido en los años mencionados y su influencia actual está circunscrita a zonas geográficas y círculos de aficionados muy concretos del norte de Colombia.

En cuanto a las Bandas, tocan porro durante las fiestas religiosas y populares, pero también durante las corraleras o festivales. Estos se celebran a lo largo del año en diferentes lugares. Podríamos destacar el Festival del Porro Cantado de San Marcos que se celebra desde 1996, en la época de Semana Santa, en el municipio de San Marcos del Carate. El Festival es heredero de los "bailes cantaos" y mantiene viva esta tradición.

Otro de los grandes festivales de porro es el Festival Nacional en San Pelayo que se celebra a finales de Junio y principios de Julio en el municipio de San Pelayo en el departamento de Córdoba. Todo se inicia con la Recepción de Las Bandas el viernes. Por la noche un concierto ameniza entre porros y fandangos a miles de personas que esperan La Alborada Musical a las 4:00 de la mañana. A esas horas todas las bandas participantes se dirigen entre velas, guapirreos y bailes a la Gran Tarima. Allí a las 5:00 se forma la Gran Banda, dando así El Inicio Formal del Festival Nacional del Porro. La multitud estalla de alegría al escuchar tradicionales porros como María Varilla, Rio Sinú, Soy Pelayero o La Lorenza. Desde ese momento se desarrollan toda una serie de actividades como talleres, concursos de gaitas, grupos folklóricos, porro cantao, cantos de vaquería, bandas juveniles y profesionales, etc. El domingo se celebra el Gran Desfile de Las Aguadoras, en Homenaje a las mujeres que llevaban el agua del río sinú hasta sus casas.

Podríamos destacar así mismo el Festival del porro en Medellín o el Encuentro Nacional de Bandas en Sincelejo que constituyen la expresión de la tradición, proyectando costumbres y usos, destacando la música de bandas folklóricas, a través del porro y el fandango.

Es palpable una renovada pasión por parte de las nuevas generaciones de músicos, que buscan aprovechar ese valioso legado cultural. Incorporándole su particular visión, mediante fusiones y arreglos novedosos. Una de esta nueva generación es Adriana Lucía que en su nuevo disco Porro Nuevo hace un tributo a los ritmos de su tierra Córdoba, especialmente al porro, combinándolo con rock, algo que ella ha denominado “porrock”. El disco se inicia con la canción Borrón y cuenta nueva y con este mismo nombre Adriana define la etapa de la vida en la que se encuentra porque según ella era un homenaje que debía a su pueblo. Porro nuevo es para Adriana Lucía un disco que se sale del esquema tradicional, de lo que está pegando actualmente en las radios, pero es un disco que se puede entender por todo el mundo porque las letras son sencillas.

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  lamardemusicas_porro.mp3   26-nov-09

El Twist fue un baile, basado en un rock and roll muy simplificado y con connotaciones tribales, muy popular a comienzos de la década de 1960, llamado así a partir de la canción que lo originó: The Twist.

Si bien los años 50 e incluso los 60 no supusieron la muerte del swing, los clubes de la época fueron testigos de otras nuevas formas de baile que comenzaron a popularizarse entre los animados bailarines que cambiaron también las formas de reunirse para bailar… Ahora ya no estaban sólo las grandes salas de fiestas con bandas de jazz en directo, sino que la llegada de los tocadiscos a las vidas de la gente dio inicio a una nueva era: la de las sesiones de baile en casa. Los jóvenes de los locos años 60 se reunían en sus casas de alegres colores para compartir risas y buenos momentos mientras movían sus pies al ritmo del mejor pop y rock n’ roll… ¡Había llegado el Twist.

¿Y en qué consistía el Twist? Pues básicamente en mover primero un pie para un lado y el otro para el contrario, ayudándose del cuerpo para seguir el ritmo de las canciones… puede parecer fácil pero la cosa tenía su aquel, y algunos más que el twist parecía que tenían el baile de San Vito. Por eso, para ayudar a los bailarines inexpertos se crearon todo tipo de guías con prácticos esquemas de cómo mover los pies Y así, todos pudieron bailar esta danza tan alegre y pop que no entendía de razas ni edades y donde por primera vez las parejas no se tocaban mientras bailaban.

A pesar de todo, en el Twist también había jerarquías… y la corona de rey la ostentaba un hombre de color, cuyos movimientos no tenían nada que envidiar a los de sus compatriotas del Savoy, aunque los estilos de baile fuesen diferentes. El Rey del Twist no fue otro que Chubby Chercker, que hizo bailar a millones de personas en todo el mundo.

En 1960, con su versión del tema de The Twist compuesto por Hank Ballard en 1959, llegó al número uno de los ranking en los Estados Unidos. Con este mismo tema se convirtió en el poseedor de un récord al conseguir que The Twist fuese el primer sencillo en alcanzar el primer lugar dos veces en años diferentes: 1960 y 1962.

El éxito del tema de Checker y de sus innumerables secuelas se basaba en que era un baile muy fácil en el cual hasta los patosos evitaban pisar a su pareja y quedar en ridículo ya que solo había que tener un mínimo de elasticidad para girar las rodillas a un lado y a otro mientras, en sentido contrario, se movían los brazos. Además daba bastante libertad para improvisar mínimamente.

En 1961, en plena twistmanía, los dueños de la discográfica New York’s Peppermint Lounge de la Calle 45 Oeste probaron suerte con una banda de la casa, un grupo local de Jersey, Joey Dee y la Starliters. Su canción The Peppermint Twist se convirtió en número uno en los Estados Unidos en enero de 1962.

En 1962, uno de los padres del rock n’ roll, Bo Diddley, lanzó al mercado su álbum Bo Diddley’s A Twister en el que grabó varios temas de Twist, incluyendo "The Twister", "De Bo Twist" y " Mama Don’t Allow No Twistin," que hace referencia a las objeciones que había en muchos padres a los movimientos pélvicos de esta danza, sobre todo de las chicas.

Un año antes de que triunfara el disco de Bi Diddley, en 1961, Bill Haley y sus Cometas (con el nombre español con el que se les conocía en América Latina) decidieron asentarse en México puesto que en EEUU su fama había sido eclipsada por Elvis Presley y Little Richard. De este modo llegan a un acuerdo con el sello mexicano Orfeon Records y obtuvieron un inesperado hit con "Twist Español", un tema cantado por la banda en español en ritmo de twist, que se encontraba de moda en ese momento. El single se convirtió en el más vendido de la historia mexicana junto al tema Florida Twist también del mismo grupo.

Aunque Chubby Checker era en esos momentos el rey indiscutible del Twist, Bill Haley y sus Cometas fueron proclamados los Reyes del Twist en México y América Latina. Gracias al éxito de "Twist Español" y "Florida Twist", entre otros, la banda se mantuvo al tope de las listas en México y América Latina durante los años siguientes.

El tema Florida Twist de Bill Haley fue también un éxito en la voz del venezolano criado en México, Enrique Guzmán, ídolo de la juventud mexicana y uno de los grandes del rock sudamericano. Por aquel entonces Enrique Guzmán era el cantante de los Teen Tops. Posteriormente iniciaría una exitosa carrera en solitario.

El Twist siguió viajando por todo el continente sur hasta desembarcar en Argentina. Uno de los grandes grupos fue, sin duda, Jackie y los Ciclones que enseñaron a bailar el Twist a sus seguidores con su tema Lección de Twist.

Europa no fue menos y también se dejó llevar por la moda del Twist. Países como Italia, Francia, Gran Bretaña e, incluso, la mojigata España se llenaron de guateques con tocadiscos a toda pastilla. Jóvenes con jerséis de pico y camisas de cuadros circulaban a lo loco con sus Vespas y Lambrettas, disfrutando de la vida alegre que los tiempos de bonanza de los 60 trajeron a ritmo de Twist. El verano de aquellos años se llenó de sol y de vacaciones en la playa. Si hubo algún lugar que se pusiera de moda, ese fue la Costa Azul y Saint-Tropez la ciudad más visitada en ese momento por los jóvenes. Por eso, no es de extrañar que el Twist les acompañara y el nombre saliera en sus canciones. En Gran Bretaña estaba surgiendo en ese momento un grupo rocanrolero que también se subió al carro del Twist. Ellos eran los Beatles y su tema Twist And  Shout.

En la península son tiempos de cambios y los jóvenes abrazan el rock como forma lúdico – reivindicativa. Posiblemente uno de los primeros grupos en abrazar la música rocanrolera del otro lado del charco fueron los gaditanos Rocking Boys y ellos también hicieron bailar el twist a la juventud de los 60 con sus discos. Al mismo tiempo, en Barcelona, se formaba otro de los grupos que con el tiempo se ha demostrado que siempre permanecen jóvenes: el Dúo Dinámico. Su música levantó pasiones en los 60 y sonaban en todos los guateques de aquel entonces. El twist tampoco faltó en su repertorio. Por último tenemos al que fuera reconocido como el rey del Twist en aquellos momentos: Mike Ríos. El granadino comenzó su andadura con el rock n’ roll y el twist no podía dejarse a un lado.

A finales de los 60 el Twist había pasado a mejor vida. Sin embargo, de vez en cuando algunos grupos vuelven al pasado y rescatan del baúl empolvado del olvido al twist. Así en los 70 Los Mud obtienen un gran éxito con una versión del Lest Dance del cantante californiano Chris Montez. En los 80, en Argentina aparece un grupo que se llamaron a sí mismos los Twist y, aunque su música abarca diferentes estilos, de vez en cuando nos regalaron con algún twist como el Juventud, Divino Tesoro. En los 90 sería el grupo británico The Kaisers el que, saliéndose de la moda de esos momentos, nos haría bailar de nuevo el twist con sus discos, entre los que podríamos destacar Twist With The Kaisers.

El twist también ha sido usado en el cine. En 1993, apareció la película de Ron Mann llamada Twist, un documental sobre la twistmanía. En 1994 en la película Pulp Fiction de Quentin Tarantino, John Travolta y Uma Thurman bailan el Twist con el tema "You Never Can Tell” de Chuck Berry como parte de un concurso y, en Spiderman 3 de 2007, Harry Osborn y Mary Jane Watson se marcan un baile con El Twist de Chubby Checker.

Algo que muy poca gente sabe es que el fenómeno Gogó, los bailarines y bailarinas que se dedican a entretener y animar el ambiente en una discoteca, tiene su origen en la década de los 60, cuando las mujeres en la discoteca Peppermint Lounge de Nueva York empezaron a subirse a las mesas para bailar el Twist. La década de 1960 fue también la época de la minifalda así como también de las llamadas botas gogó, por lo que los promotores de las salas de baile de mediados de los 60 tuvieron la idea de contratar a estas personas con el fin de entretener a los clientes.

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  lamardemusicas_twist.mp3   19-nov-09

La cultura gótica es un movimiento en varios países. Empezó en el Reino Unido entre finales de la década de 1970 y mediados de la década de 1980, en la escena del Post-Punk. Su estética e inclinaciones culturales provienen principalmente de las influencias de la literatura de terror, las películas de horror, y en menor medida, de la cultura del Glam y el erotismo.

La cultura gótica comparte gustos estéticos, musicales y culturales en común. A pesar de que la música gótica abarca varios subgéneros y estilos, todos estos comparten una tendencia hacia una apariencia y un sonido “dark” u “oscuro”. Los estilos de vestimenta dentro de la cultura gótica toman influencias del death rock, el punk, el estilo andrógino, y hasta el estilo de vestimenta del Renacimiento. En general, los góticos visten de color negro y se maquillan en tonos que resalten la palidez en el rostro y lápiz labial de color negro o rojo, Es importante aclarar, sin embargo, que no todo aquel que se viste de acuerdo al estilo gótico es considerado gótico por los miembros de la subcultura. De la misma manera, no todos los góticos visten de negro ni tampoco siguen siempre el estilo.

Musicalmente el gótico es un conjunto de estilos que tienen en común el gusto por lo oscuro y lo dramático. En un sentido amplio, abarca todas las corrientes musicales que evolucionaron desde el post punk de finales de la década de los 70, incluyendo gran variedad de tipo de sonidos, desde el Punk a la electrónica experimental, pasando por la música ambiental y la dark wave, el neofolk, el rock gótico, el Black metal o la música industrial, entre otros.

Cuando el periodista Tony Wilson tuvo la ocurrencia de llamar "gothic music" a la música de Joy Division no estaba tratando de ser ingenioso, sino que usó la misma palabra que en su lengua materna se usa para designar a los cuentos "de miedo". Por otro lado, a pesar de que no existe ningún género musical llamado "dark" a secas y a pesar de que esta palabra tenga las connotaciones de gloomy (macabro), evil (mal) y wicked (malvado) en la lengua inglesa, el término no empieza a asociarse con el movimiento gótico hasta que llegó a los países latinos. En España e Italia se tradujo esta palabra, acertadamente, por otra de uso más extendido y que significa lo mismo: siniestro. Sin embargo, es en el México de los ochenta, por motivos incomprensibles, que gothic se tradujo con otra palabra inglesa, dark. Cuando este género vivió un nuevo auge en los noventa, los mexicanos comenzaron a referirse a él como "gótico". Así que poco después ya había dos términos para referirse a la misma música y no tardaron en aparecer diversas interpretaciones de lo que era dark y lo que era gótico.

Curiosamente, en los países de habla inglesa, la palabra dark no se utiliza para referirse al movimiento gótico, a pesar de que se habla de subgéneros como DarkWave, Dark Ambient, Dark Cabaret o Dark Folk.

Asociar la subcultura gótica con las precursoras bandas góticas puede ser un poco controvertido. Esto se debe a que la palabra “gótico” comenzó como una etiqueta para algunos grupos que formaban parte de la gran escena Post Punk y New Wave. Fue un término aplicado erróneamente ya que no era gótico sino afterpunk. El resultado es que no todas las personas a las que les gustaban esos grupos eran parte de la escena gótica y es seguro que el hecho de asociar alguna de las primeras bandas con la escena gótica causará protestas por parte de los fans que no son góticos y no quieren que su banda favorita se asocie con ese término.

Los primeros grupos de post punk que se catalogaron cómo góticos fueron Joy Division y Siouxsie and the Banshees en 1978. Ellos eran parte de una ola de bandas que experimentaban con sonidos nuevos entre 1978-79. En Siouxsie and The Banshees llegaron a participar iconos como "Sid Vicious" antes de pertenecer a los Sex Pistols y Roberth Smith antes de entrar en The Cure. La vocalista Siouxsie Sioux manejaba una estética fúnebre-erótica, cabellos alborotados, maquillajes exóticos y vestimentas negras, convirtiéndose en una gran influencia en la estética del movimiento.

Por su lado, Joy Division tuvo una corta vida y no dejaron un gran legado, ya que su vocalista Ian Curtis se suicidó en 1980, pero sus dos álbumes editados, Unknown Pleasures de 1979 y Closer de 1980, fueron también influencia principal para las primeras bandas. Los restantes miembros de Joy Division fundaron New Order, cuyo primer álbum Movement de 1981 continuó el estilo de Joy Division, pero con el tiempo, New Order se convirtió en una banda cercana al New Wave Dance.

En 1978 llega a la escena musical inglesa la banda Bauhaus. Aunque en un principio se llamaron Bauhaus 1919, perdieron la última parte antes del primer año. A pesar de que había bandas precursoras del estilo gótico, muchos consideran a la primera banda gótica. Su música está fuertemente influida por el Glam Rock de David Bowie y T. Rex y por el cine de serie B. Su single Bela Lugosi’s Dead llegó a ser el himno de la escena gótica, refiriéndose a un film de terror interpretado por Béla Lugosi y cuya letra llamaba a seguir sus pasos dentro de lo que era el gótico. Su sonido influyó, inspiró y llamó la atención sobre un conjunto de grupos post-punk como Dance Society, Theatre of Hate, Play Dead y The Sisters of Mercy.generando el estilo intenso y triste que acabó siendo el rock gótico. En 1981, el guitarrista Steven Abbot del grupo UK Decay tildó a este emergente movimiento como gótico y de ahí pasó de ser una etiqueta de un pequeño grupo de personas a moldearse como un movimiento sólido.

Para terminar con las bandas iniciadoras del movimiento musical gótico, nos encontramos a The Cure, considerada también como un icono del movimiento gracias a que su vocalista Roberth Smith fuera atrapado por temas oscuros y depresivos, formando una estética totalmente definida, una combinación entre David Bowie y Siouxsie Sioux. The Cure hizo su propio sonido gótico, una mezcla de post punk y pop, un sonido único y original y su contribución al género se centra entre los discos Faith, Seventeen Seconds, Pornography y, años más tarde, Disintegration. Después de eso, estuvieron cercanos al New Wave, pero nunca saliendo de la escena gótica.

A mediados de los años 80, las bandas empezaron a multiplicarse y a hacerse más populares, entre estos nuevos grupos se cuentan The Sisters of Mercy, The Mission, The Bolshoi, Mephisto Walz o Dead Can Dance.

Alrededor de 1985, la era Post Punk comenzaba a decaer y varios de los grupos pioneros se habían ya disuelto o habían variado de estilo. Esa era concluyó con el álbum debut de The Sisters of Mercy, First and Last and Always de 1985, que fue todo en éxito en las listas del Reino Unido y representa de alguna manera la transición de la primera a la segunda generación gótica. A pesar de haberse formado en 1980, The Sisters of Mercy influenciaron más a la segunda generación. Su vocalista Andrew Eldritch, tenía una voz bastante diferente de cualquiera de los vocalistas de la primera generación y, a finales de los 80, fue catalogado como “El Padrino del Gótico”.

The Sisters of Mercy fueron quizás uno de los primeros grupos góticos en usar baterías sintetizadas, junto a March Violets. Las baterías sampleadas continúan siendo muy comunes en el gótico hasta el día de hoy.

Fue durante la segunda generación que el término y el estilo comenzaron a ser noticia fuera de los pequeños círculos alternativos. El término comenzó a aparecer en medios ingleses como en The Face y comenzó a generar fanzines y clubs por todo el país. En 1983, la película sobre vampiros The Hunger (traducida en España como El ansia) protagonizada por David Bowie y aparentemente apoyada por Bauhaus, marca definitivamente el éxito del gótico. Esto se ve reflejado en la creciente popularidad en Europa y en radios universitarias estadounidenses de bandas del sello 4AD como Clan of Xymox, Dead Can Dance y Cocteau Twins. Durante este tiempo aparecieron también varias revistas góticas, y quizás la primera fue Propaganda (la cual se convirtió después en una revista porno gay). Las revistas góticas fueron cambiando su orientación al tiempo que la escena. Revistas pioneras como Permission se combinaron con las raíces punk del gótico para orientarse hacia la música industrial, mientras que el resto de las revistas como Carpe Noctem se enfocaron más en la poesía y la música romántica, creando los patrones para los futuros “spooky kids” ("niños terroríficos") de la tercera generación.

Desde 1990 hasta el 2000 el gótico emigró definitivamente de las islas británicas, extendiéndose definitivamente por todo el mundo y principalmente por dentro Europa. Al mismo tiempo surgieron otras bandas no góticas que tomaron la estética y el look gótico para implementarlo en ellos mismos, como se puede ver en los metaleros Marilyn Manson y Evanescence entre otros. Fue un período de transición para la música gótica, debido en gran parte a una creciente obsesión cultural con cualquier cosa que se etiquetara como “gótica”. La masificación y comercialización de la música gótica es fielmente representada por la movida conocida como “Góticos del Mall” (jóvenes góticos asiduos a grandes centros comerciales) quienes, por lo general, seguían y escuchaban a estos grupos nuevos que parecían tener tendencias góticas (en apariencia primordialmente), pero que no tenían conexión alguna con las raíces originales de la música Gótica.

La banda alemana Lacrimosa, formada en 1990, puede ser considerada una de las más representativas de este período. Es un dueto formado por Tilo Wolff y Anne Nurmi. En su música mezclan elementos del gothic metal, gothic rock junto a violines, trompetas y otros instrumentos clásicos.

Algunos de los sellos verdaderamente "góticos" (algunos de los que sobrevivieron al crecimiento de la creciente movida de música emocional), le abrieron los brazos a nueva cultura “industrial”, donde comenzaba a predominar la música de influencia electrónica. A la par crecieron el gótico y el industrial, usando las mismas técnicas y tecnologías durante esta era y con mucha mezcla entre ambos estilos. La principal diferencia consistía en que el sonido del industrial era más duro, y el del gótico más suave, con menos distorsión de voces, guitarras y, en general, con menos influencia del Techno y el Metal. Seelenkrank es uno de estos grupos que conjugan lo industrial y lo electrónico dentro del gótico. Este proyecto musical se debe al alemán Chris Pohl. El objetivo era crear un sonido más íntimo que la intensa música industrial. En el proyecto también se incluyó la voz femenina de Nina Bendigkeit. Chris grabaría en este estilo dos álbumes para la discográfica Machinenwelt, Pohl dejó el sello debido a problemas contractuales y tuvo que dejar el nombre para cambiarlo por Blutengel. Sus álbumes han estado fuera de circulación durante 10 años, pero Chris Pohl ha ganado recientemente la batalla legal.

En el nuevo milenio, algunos fans de la primera era del gótico están abrazando un revival del Death Rock, quienes han tomado peso volviendo a los sonidos y a la moda originales de la primera generación. Bandas como Cinema Strange, Bella Morte y Black Ice han contribuido a la revitalización del género, además Nina Hagen ha sido el rostro principal del Drop Dead Festival (el cual convoca exclusivamente a bandas Death Rock – Horror Punk y Post Punk) en Nueva York.

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  lamardemusicas_gotico.mp3   12-nov-09

Como decía Nelson Mandela: “Todo parece imposible hasta que se hace”.

Quiero dedicar este programa a todas aquellas personas que se sacrifican entregando sus vidas a fin de que podamos ser libres. Sus sueños se convierten en realidad y la libertad es nuestra recompensa.

Hoy visitaremos los townships, término con el que se conocen las zonas reservadas para los no blancos y construidos en las periferias de las grandes poblaciones, para conocer la música que nació durante el apartheid en Sudáfrica.

La cultura de Sudáfrica es un revoltillo de colores, una amalgama de modelos acarreados por pueblos visitantes que se quedaron y se disputaron la tierra que había sido de los khoi-san, o sea de los bosquimanos y hotentotes, a quienes arrinconaron en el Namib, Kalahari y los baldíos pedregosos de la zona noroccidental. Los ciudadanos de hoy en la República de Mandela son zulús, xhosas, tswanas, sothos, ingleses, boers e hindúes, junto a los muchos que han salido de todos los posibles cruces. Cada grupo ha ido colocando su trazo en un ventanal desorientado que aún sigue sin definir, aglutinando como puede todos los elementos.

En la música también se nota este amasijo de ideas. Mezcla de tambores y cuernos en serenos compases; flautas Kwela que practican una música callejera alegre con raíces del jazz; improvisaciones Maradi que surgen de diferentes músicas indígenas; el Mbaqanga, estilo de música con raíces rurales Zulú que entremezcladas entre sí producen unas melodías que los habitantes de los townships movilizan en tono de protesta y de Jive, danzas comunitarias que se practican al estilo tribal, manifiestos vivos en defensa de las libertades perdidas. Por su lado, en la década de los 50 y de los 60 florecieron pequeños y clandestinos combos de jazz que también representaban una afrenta al sistema. Estas inflexiones de jazz y folk encumbraron internacionalmente a la música de Sudáfrica como uno de los compendios de música de protesta de la escena musical y algunos de sus músicos ocupan hoy en día, después del apartheid, los primeros puestos de la música jazz y Word.

· Comenzamos nuestro camino visitando la cultura de los Venda, territorio en el norte de Sudáfrica que fue autónomo  entre 1979 y 1994 año en el que se integró plenamente a Sudáfrica. El aspecto musical desempeñó un importante papel, tanto político como cultural, ya que el pueblo cantaba a las órdenes de la jerarquía propia del sistema tribal, manteniendo una independencia en contra de las clases dominadoras blancas.

· De la provincia del Cabo Oriental nos llega la música de los Shoto del Sur o Basutos.

· En la Provincia Occidental del Cabo habitan los xhosa. A pesar de ser una minoría en el país, su miembro más conocido es Nelson Mandela, uno de los artífices de la liberación sudafricana. Los Xhosa perdieron prácticamente sus raíces culturales y en los últimos años la están rescatando poco a poco.

· La provincia de KwaZulu-Natal es la de mayor población del país y hogar de la etnia mayoritaria: los Zulúes. La música y las danzas forman una de las componentes más importantes de la cultura Zulú. Durante el apartheid hubo un intento muy fuerte de erradicar este aspecto de los Zulúes, pero el tesón de estos y su oposición al gobierno blanco han dado como resultado que la música zulú sea una de las bases de la música sudafricana.

The Mahotela Queens: Hilda Tloubata, Mildred Mangxola y Nobesuthu Mbadu, son parte de la leyenda de la música urbana sudafricana, conjuntamente con Mahlatini (El León de Soweto). En los primeros 60, inventaron el “Mbaquanga” una fuerte poción magica, mezcla explosiva de varios tipos de musica tradicional, de Marabi y de R&Blues. Ídolos de las comunidades negras durante los años oscuros del apartheid, hicieron bailar, soñar y resistir a todo un pueblo oprimido, apareciendo en los escenarios internacionales como una bomba. Lejos de ser un coro femenino más, las Mahotela Queens son uno de los elementos clave que dan a esta música su color único, intimaménte original y al mismo tiempo universal.

The Manhattan Brothers fue uno de los grupos de música más populares en Sudáfrica durante los años 40 y 50. Su sonido marcado por el ragtime americano, el swing y otros estilos de jazz se fusionó con armonías corales africanas y Zulúes. The Manhattan Brothers también fueron uno de los grupos más controvertidos de su tiempo, tocando durante la era del apartheid para una audiencia exclusivamente negra. Entre los miembros del grupo en la década de 1950 se incluye a Miriam Makeba, la reina indiscutible de la música sudafricana.

Miriam abandonó a los Manhattan Brothers y fundó su propia banda, The Skylarks, que mezclaba jazz con música tradicional sudafricana.

Después de ver que no podía llevar a cabo en su país la carrera musical que ella quería por su activismo comprometido, la cantante viajó a Venecia para después conseguir llegar a Londres, donde conoció a Harry Belafonte, quien la ayudó a entrar en los Estados Unidos. Sin embargo, la vigilancia del FBI estadounidense obligó a Makeba y a su marido, el activista negro Stokely Carmichael a trasladar su residencia a Guinea Conakry. Donde residió hasta la caída del apartheid.

Logró su máxima popularidad con el inolvidable tema Pata Pata de 1967, que fue difundido en diferentes países del mundo alcanzando los primeros lugares en los ranking de música pop. Esta canción ha sido versionada por diferentes intérpretes, como la mexicana Thalía o los cubanos Tito Puente o Lucrecia.

El 10 de noviembre de 2008 falleció en la localidad de Castel Volturno, en el sur de Italia, a causa de un paro cardiaco producido tras un concierto contra el racismo y la mafia, en el que participaba. Vaya desde aquí un sentido y caluroso homenaje para esta incansable luchadora por la libertad.

En el año 1950 se formó uno de los grupos más consolidados del jazz sudafricano: los African Jazz Pioneers. Destacan por los sonidos tradicionales del majuba con tempo e influencias del Marabi. Tras varios años de trabajo se separaron para volver a juntarse en 1981. Su éxito fue enorme y la fama internacional vino después de vivir una temporada en Ámsterdam en 1987. Han recorrido el mundo visitando Francia, Japón, Suecia, Inglaterra o España. Durante este tiempo han tocaron con artistas de la talla de Youssou N’Dour, Quincey Jones, Gilberto Gil, Nina Simone o Chick Corea, entre otros.

Y después de escuchar a los African Jazz Pioneers, es el turno del trompetista Hugh Masekela. Nacido en 1939 en Wittbank, Sudáfrica, empezó su carrera musical como miembro de la Huddleston Jazz Band. Cuando Trevor Huddleston, director de la banda, fue deportado a causa de su posición abiertamente anti-apartheid, Masekela lo sigue abandonando Sudáfrica en 1961. Su carrera despegó verdaderamente en EE.UU. Su mezcla de pop y jazz africano tuvo tanto éxito, que fundó su propio sello discográfico, Chisa, a mediados de los años sesenta. Su canción “Grazing in the Grass” de 1968 dio la campanada y fue nominada para los premios Grammy. A lo largo de su carrera ha colaborado con artistas de la talla de Fela Kuti o Paul Simon y nunca ha olvidado sus orígenes sudafricanos que están más vivos que nunca en “Phola”, su nuevo trabajo discográfico de 2009.

Hemos dicho que Masekela colaboró con Paul Simon. Esté comenzó a trabajar con la música sudafricana en 1984 por un azar del destino que quiso que cayera en sus manos una casete de township jive, la música callejera de Soweto. Cuando comenzó a escribir sobre lo que más tarde sería el disco Graceland y la gira del mismo nombre, Simon no podía ni imaginar que sería un hit ni que suscitaría tanta polémica. Graceland vendió varios millones de copias y su gira se desarrolló por todo el mundo y se convirtió en un grito internacional en contra del apartheid. Tanto en el disco como en la gira colaboran además de Masekela, Miriam Makeba y Ladysmith Black Mambazo, entre otros grandes músicos sudafricanos y africanos en general.

Continuando con esta extensa lista de grandes músicos sudafricanos, le toca el turno al pianista Adolphe Johannes Brand, conocido actualmente como Abdullah Ibrahim, nombre adoptado tras su conversión al Islam a finales de los años sesenta.

Este compositor, pianista y multiinstrumentista comenzó en 1949 cuando participando en los grupos Tuxedo Slickers y la Big Band de Willie Max. Posteriormente coincidió con la cantante Miriam Makeba y el trompetista Hugh Masekela, pero lo que contribuyó a lanzarle a la fama fue el espaldarazo que obtuvo del maestro, Duke Ellington, que lo elogió y lo reconoció como el mejor pianista y compositor del continente africano.

En 1965, establece temporalmente su residencia en Zurich donde es invitado por Elvin Jones a formar parte de su cuarteto. Durante este tiempo, tuvo la oportunidad de trabajar con el cornetista Don Cherry y el saxofonista Gato Barbieri.

Retorna a Sudáfrica en 1976 con la intención de establecerse en su país, pero al cabo de varios intentos truncados por desarrollar en la tierra del apartheid, una experiencia musical normalizada, abandonó de nuevo su tierra para instalarse en New York. En la ciudad de los rascacielos toca el piano al frente de diversas formaciones de distinta índole, desarrollando su propio lenguaje musical. Abdullah permanece activo para el jazz en la actualidad, alternando las grabaciones en estudio con las actividades en directo en pequeños clubes de Nueva York.

Para el último he dejado al músico Johnny Clegg conocido como el ‘zulú blanco’. Aunque nacido en Inglaterra en 1953, fue criado en Sudáfrica cuando el apartheid estaba todavía vigente. Siendo de raza blanca, se interesó por la música y la antropología de los negros y en 1969 tuvo el atrevimiento de formar un grupo musical interracial llamado Juluka junto al músico zulú, Sipho Mchunu, lo que naturalmente no gustó a las autoridades. Su primer disco fue silenciado en las emisoras de radio del país, pero se convirtió en un éxito gracias al boca a boca. En los 7 años que pasaron juntos, la banda produjo dos discos de platino, cinco álbumes que llegarían al oro y fue un exitazo internacional. Tras su separación en 1986, Clegg continuó mezclando música africana con influencias de pop europeo con la banda Savuka.

Las letras de varias de sus canciones eran de contenido político, como es el caso de la célebre Asimbonanga de 1987, en la que reivindicaba la memoria de las víctimas del gobierno racista de Pretoria y recordaba a Nelson Mandela, entonces aún en prisión. En 1998 durante un concierto en Frankfurt, compartió escenario con el propio Mandela.

Johnny sigue activo, dando conciertos por todo el mundo y bailando las espectaculares danzas zulúes que él popularizó.

La música de Sudáfrica y sobre todo el jazz ha explotado desde las primeras elecciones libres de Sudáfrica en 1994, tanto en cantidad como en calidad y diversidad.

Cuando Zim Ngqawana llevó a un grupo de 100 bateristas, cantantes y bailarines a la inauguración de Nelson Mandela en 1994, ya había anunciado una nueva era. Las elecciones libres significaron libertad de expresión y los artistas sudafricanos de hoy no han desaprovechado la ocasión.

Escucha el programa:

  lamardemusicas_township_del_jive_al_jazz.mp3   05-nov-09