Nos acercamos en el programa de hoy al país de los mil contrastes. Desde el Océano Índico hasta la cumbre del K2 pasando por el desierto. Hoy conoceremos el norte de la India y principalmente Pakistán por medio de su música más emblemática: el qawwali.

El qawwali es un tipo de música religiosa tradicional sud-asiática originaria de la India islámica, conformada por una fusión de ritmos arábigos e indostaníes que se fueron asentando desde la invasión islámica mogul.

Este tipo de música islámica es básicamente un vehículo para difundir la filosofía central del sufismo, la rama mística y utópica del Islam. En su contexto musical se abarcan características de la ideología e historia sufí que son promovidos con carácter cultural y que remontan a las clases ricas de India y Pakistán.

El qawwali es principalmente un arte religioso musical que dentro de su práctica e impartición religiosa no prohíbe la participación de otras culturas religiosas, como el sijismo y el hinduismo.

Su conformación musical se basa en el sistema del raga indio, en donde se crea una composición tanto moderna o tradicional que abarcan poemas o leyendas compuestos en su origen por grandes poetas sufís. Algunos de los temas abarcan las esferas filosóficas, aunque no se descartan temas románticos y sociales promovidos con un carácter ideológico, y a menudo incluso se recitan metáforas para explicar asuntos metafísicos.

El qawwali es recitado principalmente en hindi, panyabí, urdú, árabe, y árabe abstracto, aunque también es ejecutado en versiones instrumentales. Es bien reconocido por toda la cultura religiosa islámica internacional, siendo también apreciada principalmente por el sijismo, ya que en la composición literal del Gurú Granth Sahib se incluyen ciertos fragmentos, anexos y leyendas elaboradas por propios maestros elementales sufís, tal es el caso de Kabir y Rumi.

Las canciones qawwali surgieron de los qawal (místicos sufíes errantes que cantaban canciones islámicas de devoción). La tradición musical se remonta aproximadamente al siglo XIV. Al principio se realizaba principalmente en lugares santos sufíes en lo que es ahora India y Pakistán, aunque actualmente ha ganado popularidad y se ha difundido por todo el mundo. Los qawal, tanto antiguos como modernos, transmiten sus conocimientos y tradición dentro de la propia familia, transmitiéndose el oficio de qawal de padres a hijos.

El ensamble qawwali puede estar conformado en su estructura tradicional por:

· Uno o más armonios.

· El Dholak que es un tambor pequeño.

· La Tabla, dos tambores apoyados en el piso. Uno de ellos pequeño llamado daia y el otro grande llamado baia.

· Y la Tambura, instrumento de cuerda parecido a la mandolina que produce el bordón, la nota grave.

En la actualidad se rodea así mismo de instrumentos modernos como sintetizadores, baterías y guitarras.

Podemos decir, sin duda ninguna, que el cantautor pakistaní Nusarat Fateh Ali Khan, desde sus orígenes hasta su reciente muerte en Londres en 1997 víctima de una complicación cardiaca, es el que más ha extendido e influenciado con la música qawwali en el mundo. La familia de Nusarat, originaria de Afgaristán, tiene una irrompible tradición de cantar qawwali durante los últimos 600 años. Entre otros títulos honorables, Nusarat era llamado emperador del qawwali. Desde que empezara a grabar con la discográfica de Peter Gabriel, la Real World, colaboró con muchísimos músicos no sufíes en esfuerzos de cruzar las músicas orientales y occidentales.

También grabó bandas sonoras de películas como Natural Born Killers (Asesinos por Naturaleza), Last Temptation of Christ (La última tentación de Cristo junto a Peter Gabriel), Dead Man walking (Pena de muerte) y algunas otras películas de Bollywood.

El acompañamiento clásico y fundamental del qawwali son las palmas. Como el flamenco, el qawwali es una música cantada que da una total preeminencia al vocalista. Al comenzar a cantar, para conseguir la disposición adecuada, el cantante se vale del Alap, forma musical que, entre otras  cosas, puede consistir en modulaciones vocales ascendentes y descendentes. A lo largo de las canciones, largas declamaciones monosilábicas, que guardan una gran similitud con los quejíos flamencos, rasgan la melodía. Las sesiones de canto bien trenzadas van creciendo en intensidad, hasta que el intérprete entra en un poderoso trance que puede llevarle a alcanzar un estado de iluminación espiritual conocido, no como duende pero sí como "fana". El público, a su vez, puede dejarse transportar por una pareja emoción que expresará arrojando monedas a los músicos, en el momento en que los más conmovidos flamencos se partirían la camisa.

De este mestizaje surgió la experiencia del qawwali jondo, dentro del Festival d’Estiu Grec 2003 de Barcelona. En esta experiencia participaron el grupo del cantante pakistaní Faiz Ali Faiz, los cantantes de flamenco Duquende y Miguel Poveda junto al guitarrista Juan Chicuelo.

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  lamardemusicas_qawwali.mp3   29-oct-09

Americana es la palabra usada para referirse a ciertos fetiches típicos de la cultura de los Estados Unidos como el béisbol, la tarta de manzana, Superman, la hamburguesa, la Rhapsody in Blue de George Gershwin o el folk art estadounidense.

Musicalmente La Americana es una amplia categoría musical, una especie de cajón de sastre, que incluye la música folk tradicional, el country, el blues, el gospel, la música Tex – Mex, la polinésica, o la autóctona de los indios de los Estados Unidos, entre otras. La música es considerada estadounidense pues, o bien es original de Estados Unidos o se ha transformado a partir de ella lo suficiente para que los musicólogos la consideren algo distinto y nuevo; asimismo, es considerada como "roots music" (música de raiz) pues sirvió como base para la música posteriormente desarrollada en Estados Unidos, por ejemplo el rock and roll, el rhythm and blues o el jazz.

Las formas de la música de raíz alcanzaron sus formas más expresivas y variadas en las primeras dos o tres décadas del siglo XX. La gran depresión fue muy importante para la difusión de estos estilos musicales por el resto del país, como los maestros del Delta blues, los cantantes ambulantes de honky tonk o los músicos de Latino y Cajun diseminados por ciudades como Chicago, Los Ángeles y Nueva York.

Paralelamente la industria discográfica en ese mismo período aproximado hicieron posible crecientes beneficios económicos presionando a los artistas, compositores y ejecutivos de las discográficas a repetir los éxitos de las canciones anteriores. Esto significó que modas pasajeras como la guitarra slack-key de Hawaii nunca muriera completamente, así como los ritmos, los instrumentos o los estilos vocales incorporados en géneros dispares.

Entre los músicos más destacables en la difusión de las músicas de raíz por todo el país podríamos citar a Son House, Blind Lemon Jefferson, Mahalia Jackson, Washington Phillips o Jean Ritchie; pero sin duda, por encima de todos, podemos destacar a Woody Guthrie.

Cuando murió Woody Guthrie en 1967, su obra había sido redescubierta por una nueva generación de músicos folk. Entre ellos Bob Dylan, quien lo visitó en los últimos años de su vida y dijo de él que era "su último héroe". Bob Dylan escribió un homenaje de cinco páginas a Guthrie, Last Thoughts on Woody Guthrie, y le dedicó "Song to Woody", una de las canciones de su primer álbum del año 1962, titulado simplemente Bob Dylan.

En 1965 Bob se haría acompañar por una de las bandas más influyentes del panorama musical americano y en particular del country rock. Aunque provenientes del Canadá, The Band se había establecido en Woodstock y junto a la Creedence Clearwater Revival, la Allman Brothers Band o los Byrds entre otros sentarían las bases del rock americano mezclando el country, el blues y el rock and roll.

Entre los jóvenes que siguen los pasos de Woody Guthrie encontramos también a Joan Baez, amiga de Bob Dylan con quien actuaría durante varios años en diversos festivales folk de la época principalmente en Newport organizado entre otros por Peter Seeger cantante que había pertenecido al mismo grupo que Woody Guthrie, los Almanac Singers. En el festival del año 1965, Bob subió al escenario con una guitarra eléctrica y fue abucheado por el público. En esos momentos las carreras de Joan y de Bob Dylan se separarían, sin embargo, años más tarde Joan reconduciría su folk hacia el pop y el componente eléctrico superaría a los sacrosantos puristas.

En la misma época de los 60, junto al movimiento hippie proliferaron un sin fin de grupos folk, folk pop y folk rock como The Mamas & The Papas, Crosby, Still, Nash & Young, o Peter, Paul & Mary entre otros muchos. Todos ellos, al igual que Bob Dylan y Joan Baez, comprometidos con la defensa de los derechos humanos, la igualdad de razas y en contra de la guerra de Vietnam.

De Toronto (Canadá) nos llega otro de los grandes pilares de la Americana Music. Cuando era adolescente llega a EEUU de la mano de su madre de origen estadounidense. El trabajo de Young se caracteriza por una profundidad lírica en sus canciones y por un trabajo distintivo a la guitarra, alternando el uso de la guitarra acústica con el característico sonido distorsionado de su Gibson Les Paul. Aunque Young ha experimentado ampliamente con diferentes estilos musicales, incluyendo el country, el blues, el swing o el jazz. Su trabajo más reconocido está basado en el rock acústico con tendencias del folk rock y en el hard rock con una amplia carga eléctrica. En los últimos años Young ha adoptado elementos de otros estilos musicales como la música electrónica, la música industrial o el grunge (género que conoceremos en próximos programas de la mar de músicas). La influencia de Young en bandas de grunge como Nirvana o Pearl Jam le ha valido el sobrenombre de "padrino del grunge".

Siguiendo en la línea de los cantautores encontramos a tres grandes y profundas voces: Johnny Cash, Tom Waits y Bruce Springsteen. Los tres están adscritos a una corriente que tiene en común el aportar una dosis de misticismo a sus canciones. En el caso de Johnny tratan de temas como la pena, la culpa, las tribulaciones morales y la redención. En el de Tom, sus canciones tienen un tono áspero, inspiradas en escritores como Charles Bukowski y otros de la generación Beat, en especial de Jack Kerouac y Bruce letras ligadas a sentimientos tradicionales americanos y particularmente con su Estado de origen, Nueva Jersey y temas muy urbanos. Por otro lado, conjugan el country, el blues, el gospel, el rock and roll o el jazz como otros tantos autores de la Americana Music.

Pasada la época hippie el sonido americana había caído a un uso prácticamente localista. Sin embargo, sin embargo, el grupo Uncle Tupelo mezclando el rock, el country y el punk llega de nuevo a acaparar la atención. Su disco No Depression puso a la americana music en el centro del panorama musical, tanto estadounidense como mundial y dio origen al título de una revista bi-mensual dedicada exclusivamente a la Americana Music. El grupo era liderado por Jeff Tweedy que compartía la tarea de componer y cantar con su compañero de grupo Jay Farrar. Este dejó Uncle Tupelo y formó en 1994 Son Volt grupo de country alternativo. Tweedy, por su parte, formó Wilco con los restantes miembros de Tupelo. Este aclamado grupo de rock estadounidense, conocido en sus inicios por sus raíces country, en la actualidad se ha consolidado como una de las referencias básicas de la escena alternativa norteamericana que utiliza el término Americana, muchas veces como sinónimo de country alternativo.

Desde los inicios de los años 2000 hasta la actualidad ha habido un resurgimiento del folk entre nuevas bandas independientes, la mayoría provenientes del Indie rock o de la escena experimental en general. Muchas de estas bandas han encontrado nuevos lenguajes musicales mezclando los géneros relativos al folk del siglo XX con sonidos contemporáneos como la electrónica experimental, el noise rock, el rock psicodélico o la música folclórica de otros países. Todo ello ha dado como resultado un amplio espectro de artistas que producen música emparentada con la de sus contemporáneos pero con diferencias, por lo cual fueron acuñados distintos términos para definir cada tendencia, como New Weird America, indie folk, psych folk o freak folk. Todas ellas se pueden considerar dentro del gran grupo del new folk. Son características del género la utilización de nuevas tecnologías, casi siempre mezcladas con instrumentos propios del folk, así como el uso de letras semi-abstractas y maneras poco comunes de escribir canciones.

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  lamardemusicas_americana_music.mp3   15-oct-09

El ska es un género musical originado a finales de los 50 y popularizado durante la primera mitad de los 60 que deriva principalmente de la fusión de la música negra americana con ritmos populares propiamente caribeños, siendo el precursor directo del reggae. Al ser un género particularmente apto para fusiones ha sido incorporado, a través de distintas variantes, a los más diversos lenguajes musicales, desde el rock a la salsa pasando por el punk, el corrido mexicano o la samba entre otros.

El ska nace en Kingston, la capital de Jamaica, finalizando la década de 1950, en un momento en que la población empieza a afluir del medio rural al urbano. En las ciudades los habitantes se congregaban en plazas donde las sound systems pinchaban las últimas novedades estadounidenses de jazz, soul y, sobre todo, rhythm & blues. En un principio se trataba de furgonetas con un ruidoso y primitivo equipo de sonido. Las sound systems no tenían otro remedio que pinchar música de Estados Unidos, puesto que la industria musical jamaicana era inexistente. Hasta 1954 no aparece el primer sello musical, la discográfica Federal, que, además, está orientada hacia la música estadounidense. Sus propietarios se desplazaban a Miami o Nueva Orleans en busca de material nuevo con el que satisfacer la gran demanda musical que había en la isla.

El catalizador que inició la carrera musical jamaicana, fue el que más tarde sería primer ministro, Edward Seaga, que en 1958 funda la West Indian Records Limited, produciendo música de artistas locales, reinterpretando ritmos estadounidenses. Ese mismo año, Chris Blackwell produce una grabación del aún desconocido Laurel Aitken. Un año después, Duke Reid y Clement Coxsone, viendo la posibilidad de tener grabaciones exclusivas para sus sound systems, fundan sus propios sellos, Treasure Isle y Studio One, respectivamente.

A finales de la década los músicos de Kingston comienzan a experimentar con la fusión de jazz y rhythm & blues estadounidenses con ritmos autóctonos del Caribe, como el mento y el calypso, adaptándolos al gusto de la isla según las tendencias que se imponían en las Sound Systems.

En 1959 en los estudios Federal se graba el tema Easy Snappin, de Theophilus Beckford, producido por Clement Dodd, con Cluet Johnson al contrabajo y el saxofonista Roland Alphonso, posterior miembro fundador de Skatalites, banda de estudio del sello Studio One. Este tema se podría calificar como la primera grabación de música jamaicana moderna.

En 1960 Prince Buster terminó de definirlo durante las primeras grabaciones para su sello Wild Bells. La sesión estaba producida por Duke Reid, que debía quedarse con la mitad de los temas a distribuir. Finalmente solo recibió uno, del trombonista Rico Rodríguez. Entre los temas grabados estaban They Got To Go, Oh Carolina y Shake a Leg. Según el historiador del reggae Steve Barrow, durante aquellas sesiones, Prince Buster pidió al guitarrista Jah Jerry que "cambiara la marcha". El guitarrista empezó a enfatizar el segundo y cuarto compás, dando origen al nuevo sonido. La percusión se obtuvo de los estilos tradicionales jamaicanos.

Ls orígenes del nombre ska son difusos, y las hipótesis que se barajan son inciertas. Los integrantes de la banda Skatalites afirman que ese nombre se tomó del saludo del bajista Cluet Johnson, quien usaba como expresión al ver a sus amigos “Love Skavoovie”, a imitación de los estadounidenses. El guitarrista Ernest Ranglin, por otro lado, defendía que era la forma que usaban, tanto él como otros músicos, para describir el sonido que hacía la guitarra. Es probable que fuera una mixtura de ambas, ya que el mismo Cluet Johnson usaba la palabra ska como una forma onomatopéyica de explicar el sonido de esta música.

Para 1962 el Ska ya está plenamente asentado como la música por excelencia de Jamaica y en 1964, aprovechando la Feria Mundial de Nueva York se presenta este estilo en sociedad ante el mundo, siendo los elegidos para ello Byron Lee & The Dragonaires, con la ayuda de Prince Buster y Peter Tosh. En ese mismo año, alcanzaba el número 1 en las listas británicas y el 2 en las norteamericanas una versión del éxito de 1957 de Barbie Gaye, My Boy Lollipop, interpretada por Millie Small.

Durante el resto de la década de los 60, se implanta en Europa rápidamente, gracias a la popularidad de la que gozó en el Reino Unido, país al que se trasladaron un gran número de estrellas jamaicanas como Laurel Aitken, Derrick Morgan o Alton Ellis para proseguir allí sus carreras, pues este estilo contaba con una gran aceptación no sólo entre la numerosa colonia antillana que había inmigrado a la metrópolis sino que también entre la juventud británica, principalmente entre los mods. Sin embargo, los tímidos intentos de copiar esa música por parte de músicos europeos, dieron unos resultados de no mucha calidad, como las aproximaciones de Georgie Fame. Los intentos en castellano, fueron por lo general mediocres aproximaciones al ritmo original, como lo atestigua el tema de 1966 Operación Sol de Los 4 de la Torre, o La canción del trabajo del mismo año de Raphael, que no respetaban demasiado el estilo original. En la década de los 70 en Latinoamérica, Toño Quirazco, Las Cuatro Monedas y otros versionaron temas clásicos del ska en castellano.

En la década de los 70 el ska vive una segunda ola de desarrollo. En esta época nuevos inmigrantes jamaicanos llegan a Inglaterra y mezclan el ska antillano con el punk que empieza a oírse en la isla. El resultado es un sonido más rápido y contundente, pero que mantiene el estilo alegre y bailable. La ideología de estos nuevos maleducados es más violenta y se enfrentarán a la ola de racismo propulsada por la creciente corriente de extrema derecha del país. Esta corriente del ska establecerá una actitud inconformista y anti-sistema que era propia del punk.

Entre finales de los 70 y principios de los 80, en plena era New Wave inglesa, el sello Two Tone, entre otros, dio a conocer a algunos de los grupos más famosos internacionalmente. Tales como Madness, Specials, The Selecter o Bad Manners. Otros exponentes de la época, con diferentes estilos, fueron The Bodysnatchers, Rhoda Dakar, The Beat (llamada The English Beat en Estados Unidos) y Fàshiön Music (que luego cambiaría de cantante y guitarrista y cambiaría al género New Romantic, transformándose en Fashion).

En 1981 llega a Estados Unidos un inmigrante inglés llamado Bucket, veterano de la era del Two Tone. Poco a poco va haciendo contactos hasta crear la tercera banda ska más influyente de todos los tiempos, The Toasters, quienes encabezan lo que luego se conocería como la 3ª oleada del ska y que continúa hasta el presente. El sonido de esta nueva ola se caracteriza por ser aún más rápida que el Two Tone y las primeras bandas hacen poco o ningún uso de las secciones de viento, concentrándose más en la preparación de canciones pegajosas de fiesta, cuyo contenido se aleja de cualquier tipo de ideología política, manteniéndose en temas como la cerveza o las fiestas.

A su vez, desde mediados de los 80 en adelante, el ska se va internacionalizando. Surgen bandas en todos los extremos del mundo, desde Hawaii hasta Australia, pasando por Alemania, Italia o Japón. Pero cabe resaltar la incursión "masiva" del género musical en Latinoamérica, incursión que daría como resultado la mezcla de los acordes e instrumentalización de cada país; dicho de otra forma, cada país pasaría a desarrollar su propia forma de ska usando sus instrumentos locales y tradición propios. Los pioneros del ska latino serían el grupo venezolano Sin Sospechas. A este le seguiría Desorden Público y posteriormente se extendería por Argentina con grupos como Los Fabulosos Cadillacs o Los Calzones Rotos; Colombia con Dulces Diablitos Ska, Sistema Sonoro Skartel o Los Elefantes; por México con Maldita Vecindad y Los Hijos del Quinto Patio o Puerto Rico con Los Pies Negros.

Paralelamente en Europa empieza un desarrollo del género con letras más reivindicativas o más relacionadas con las problemáticas sociales y políticas. Principalmente con grupos relacionados con la antiglobalización y anticapitalistas. Además comienzan a colaborar músicos de diferentes procedencias mezclando el ska con lo latino, con músicas africanas o con músicas árabes. Este éxito viene de la mano de Mano Negra liderado por Manu Chao al que seguirían el vasco Fermín Muguruza, los madrileños Ska-P, los franceses Zebda o Noir Désir entre otros sin fin de grupos.

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  lamardemusicas_ska.mp3  08-oct-09