El Glam rock, conocido también como glitter rock, por ser Gary Glitter uno de sus impulsores, es un género musical nacido en Gran Bretaña, cuyo apogeo tuvo lugar entre 1971 y 1974. Su nombre es un derivación de la palabra “glamour”.

    La aparición del glam rock significó una reacción a la grandiosidad y virtuosismo del rock sinfónico proponiendo un estilo musical más discreto y directo en el que la actitud y la imagen eran fundamentales. Los trajes de lentejuelas, los extravagantes peinados, el maquillaje, todo ello fue utilizado para hacer burla a la solemne seriedad de grupos como Génesis o Pink Floyd. Por ello, muchos artistas, con Marc Bolan de T-Rex a la cabeza, comenzaron a buscar la espontaneidad perdida del rock and roll y la encontraron en un rock básico deudor del de los 50, al que añadieron más decibelios y lo combinaron con el mejor pop surgido en los 60.

     A este sonido le unieron unas letras de estilo andrógino que, frente a la imagen de macho-rock imperante en esos días, utiliza la ambigüedad sexual y exhibe una actitud descarada y provocativa. Como diría John Lennon, el Glam es el rock and roll con pintalabios.

   El pionero del Glam fue Marc Bolan cantante de T-Rex, entre cuyos "hallazgos" estéticos se encuentran los trajes de leopardo, las chisteras y las boas del cabaret porno. Conforme iba creciendo el género se fueron popularizando los trajes futuristas brillantes, las botas con plataforma, los peinados imposibles y los kilos de maquillaje y purpurina que utilizaban. David Bowie también contribuyó al inspirarse en las travestis neoyorquinas del entorno de Andy Warhol, por cuya estética sentía predilección. Y así nació la extravagante imagen Glam, que sólo podía haberse dado en una década tan propensa a los excesos estéticos como la de los 70.

   La guinda en el pastel la puso la teatralidad que ostentaban en sus actuaciones, tomada directamente de las performances de Lindsay Kemp y del teatro de vanguardia.

    A pesar de todo y aunque la mayoría de estos grupos lucieran maquillaje y ropa ambigua, su imagen era bastante tosca, más parecida a rockeros de barrio disfrazados de mujer que a travestis glamurosos.

   Marc Bolan junto a los T-Rex supo reunir en su música un poco de todas las corrientes que caracterizaban aquel momento. Puso las bases del Glam rock canónico con un Boogie Rock pegadizo, inspirado en melodías bailables y en potentes riffs de guitarra, añadiendo unas letras hedonistas y superficiales y una forma de cantar premeditadamente sexy.

   Bajo la sombra del sonido creado por T-Rex, y siempre sin superarlo, surgieron multitud de grupos y artistas como Gary Glitter con cuya música comenzábamos el programa, Slade, The Sweet, o la única chica de verdad, Suzi Quatro, que obtuvieron un gran éxito con sus singles en las listas británicas. Buena parte de este éxito se debió a las producciones y composiciones de Nikky Chinn y Mike Chapman, auténticos reyes Midas del Glam Rock.

• En 1973 Nikky y Mike produjeron a Suzi Quatro el single Can The Can que llegó a ser número 1 en numerosas listas europeas y en Australia, no así en su país de origen EEUU.
• The Sweet se formó en Inglaterra en 1965 con el nombre de Wainwright’s Gentlemen, hasta que después de algunos cambios de integrantes cambiaron en 1968 al nombre con el que se les conoce actualmente. Uno de los mayores éxitos cosechados por la banda llegó con el tema, "Ballroom Blitz" en 1973, título que fue traducido al español como “Alboroto en el salón de baile”.
• Slade inició su andadura en 1966 y fue uno de los de mayor éxito comercial durante la primera mitad de los años 70. Hicieron famosas las faltas de ortografía deliberadas en los títulos de sus canciones, y la costumbre de editar regularmente un disco navideño, a partir de la publicación del single Merry Xmas Everybody en 1973 y que hoy en día es un villancico pop muy célebre en el Reino Unido. Su estilo ha influido en grupos que van desde Kiss hasta The Clash o los Sex Pistols.

  Paralelamente a esta corriente, varios artistas cuyos talentos trascienden a cualquier clasificación estilística, también adoptaron la filosofía y el sonido Glam, pero dotándoles de mucha más sofisticación y profundidad tanto en la música como en las letras.

• Por una parte estaba David Bowie, quien se convirtió en la mayor estrella del movimiento cuando mutó en Ziggy Stardust, un personaje de su invención cuyas vicisitudes cuenta en The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, disco que inyectó al glam grandes dosis de dramatismo, convirtiéndose en el LP clave del género y considerado uno de los mejores discos de la historia del Rock. También ejerce de productor en varios de los discos más importantes del estilo. Mención especial merece Mick Ronson, guitarrista de su banda de acompañamiento “The Spiders From Mars” que contribuyó enormemente al sonido Glam con su forma hipnótica de tocar la guitarra.
• Por otro lado estaba el sobrio Lou Reed que también sucumbió ante las lentejuelas y el rímel en esos días, después de que su anterior grupo, los Velvet Underground, precursores en EEUU del Glam y el Punk en lo estrictamente musical, se disolviera. Fue entonces cuando firmó uno de los mejores discos de su carrera, Transformer, producido por Bowie. En su siguiente disco, Berlín, recoge la vena más dramática y sórdida del Glam en un álbum conceptual al estilo de los que ideaba su amigo Bowie y en el que plantea la historia de una prostituta de dicha ciudad alemana.

   Otros grupos también militaron en este movimiento en los comienzos de sus carreras musicales. Entre ellos estaban los Roxy Music cuyos miembros más destacados fueran Bryan Ferry y Brian Eno que hacían un rock arty en el que cabían las baladas vanguardistas y la experimentación electrónica. Brian Eno dejó la formación después de su segundo disco For Your Plesaure. En su primer álbum en solitario, Here Comes The Warm Jets, siguió la tradición Glam, que abandonaría en su trayectoria posterior, más centrada en la música electrónica.

   El grupo Queen también estuvo vinculado a este estilo, pero ellos lo combinaban con Rock Progresivo y Hard Rock con tintes épicos. Obtuvieron una enorme popularidad que continuó hasta la muerte de su carismático líder, Freddie Mercury.

   Así mismo el Glam también puede intuirse en la imagen extravagante y algo marciana de otro archiconocido artista de la época, Elton John.

    Fue inevitable que en ese momento surgiera alguna Ópera rock basada en el espíritu Glam, ya que los dos estilos vivieron su máximo esplendor en las mismas fechas y sus características los hacían muy compatibles. Se pueden considerar como "Óperas glam" dos películas: la divertida “The Rocky Horror Picture Show” de Jim Sharman del año 1975 sobre un extraterrestre travestido sediento de sexo; y la más oscura y satírica “El fantasma del paraíso” de Brian de Palma en 1974 que se basa en la historia de “El fantasma de la Ópera” para contar el enfrentamiento entre un músico de rock y un malvado productor musical.

   Nacido en EEUU, el Shock rock combina el hard rock y glam. Su creador fue Alice Cooper y posteriormente lo adoptaría el  grupo Kiss, grupo que vendió varios millones de discos a finales de los 70. Del glam tomaron su teatralidad para convertirla en algo mucho más espectacular, introduciendo el terror lúdico como parte del show, planteado desde el gamberrismo más provocativo en el caso de Alice Cooper y desde la estética más oscura del cómic en el de Kiss. En los 80 el shock rock se combina con el Heavy Metal denominándose Glam Metal o Hair Metal por la estética de sus melenas y su maquillaje. Los grupos más importantes fueron: Bon Jovi, Aerosmith, Europe, o Poison, entre otros.

   El Glam aparece en la escena española con la Movida madrileña: Alaska y los Pegamoides, los comienzos de Radio Futura, las primeras películas de Pedro Almodóvar, las performances de Fabio McNamara, la llamativa imagen de Tino Casal o Locomía conforman un ramillete que introducen el glamour en un panorama sombrío necesitado de nuevos aires y aperturas. Todos ellos siguen la tradición del Glam más en sus formas y estética que en su música, pues dejan un tanto el rock de lado para zambullirse principalmente en lo tecno.

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  lamardemusicas_glam.mp3  08-jun-09

El afrobeat es una combinación de músicas africanas como la música yoruba, el juju o el fuji, entre otras, con músicas más occidentales también de origen negro como el jazz y el funky.

Esta música se popularizó en África en los años 70 y su creador y artista más reconocido del género fue el multiinstrumentista nigeriano Fela Kuti, quien acuñó el término y formó la estructura musical y el contexto político del género.

Las características más destacables del afrobeat serían:

· Bandas grandes: la banda de Fela Kuti llegó a tener 80 músicos.

· Ritmo y percusión enérgicos.

· Los mismos beats (pulsaciones) son repetidos muchas veces, tal y como hace en la actualidad el rap y el hip – hop.

· El uso de la improvisación y temas muy extensos donde se mezclan varias influencias musicales.

· Suele ser cantado en inglés. Kuti hablaba en inglés pues la consideraba la mejor lengua para ser entendida a través de las fronteras de toda África. Sin embargo, cada vez más las lenguas nacionales por donde va pasando el afrobeat se van abriendo paso como reivindicación de la libertad de los pueblos africanos puesto que la política es esencial en este género. Kuti estaba profundamente concienciado socialmente y usó la crítica para pavimentar el camino para el cambio en África. El mensaje del afrobeat puede ser descrito como contencioso y polémico, influenciado por el clima político de la mayor parte de los países africanos, muchos de los cuales tratan a la población con injusticia política apoyándose en regímenes militares corruptos.

Fela Kuti nació en el seno de una familia de clase media nigeriana. Su madre, ferviente activista de los derechos de género, le inculcó desde pequeño un espíritu transgresor y vehemente. Como muchos africanos en ese entonces, hablamos de la década de los 60, decidió probar suerte en Inglaterra, estudiando medicina. Poco después dejó todo para dedicarse a la música y entró a una escuela en el mismo Londres.

Luego de un breve paso por Nigeria, en el que formó una banda con algunos compatriotas, decidió probar suerte en Estados Unidos, donde se hizo parte del movimiento negro que en ese entonces presidía el grupo político Panteras Negras.

Fue precisamente en Estados Unidos donde su música rescató la vertiente del jazz. Influenciado por genios de la escena neoyorquina: un debutante, pero ya reconocido, Miles Davis y los afamados John Coltrane y Thelonius Monk.

Incorporando series de bronces (instrumentos de viento del jazz) y juegos vocales que rememoraban las tribus o cantos tradicionales africanos, Fela desarrolla con su grupo neoyorkino Koola Lobitos Band lo que se conocería como el afrobeat.

Por otra parte, Fela era un talentoso multiinstrumentista, que pasaba fácilmente de tocar, con alucinante destreza, del teclado a la trompeta, del saxofón a la guitarra o percusiones diversas. Acompañado siempre, eso sí, por su masiva banda de cariz carnavalesco.

La vida de Fela Kuti estuvo cruzada por su activismo a favor de los derechos humanos. Creó varios grupos, movimientos y colectivos que velaban por esta causa. Las autoridades y el gobierno nigeriano le hicieron la vida imposible: fue torturado, amenazado y sobornado. En 1997 muere de sida y se transforma en una leyenda de la música, del espíritu perseverante y altruista y de la raza negra en general.

Tras el movimiento Fela la escena del afrobeat se ha extendido y la música ha tomado una raíz sólida. Hay un grupo diverso de bandas bajo la influencia de esta música en diferentes países. Así la lista incluiría a grupos africanos como: Femi Kuti (primer hijo de Fela y saxofonista) y la Positive Force; Sean Kuti (otro de los hijos de Kuti, ahora dirigiendo la banda original de su padre); Ayetoro (un grupo conducido por el pianista y compositor nigeriano Funsho Ogundipe); los Ghana Soundz o el grupo de Tony Allen, antiguo batería de Fela e iniciador junto a este del movimiento y según James Brown, la influencia detrás de su descubrimiento del funky. Los norteamericanos: Afrobeat Down, Akoya Afrobeat Ensemble, Antibalas o la Chicago Afrobeat Project que conjugan una variación fresca y contemporánea del género. Los suecos Rameses Revolution. En Francia los franco-americanos Lafayette Afro Rock Bande o Massak liderados por el camerunés Frank Biyong. Los belgas, Belgian Afrobeat Association. Y otro sin fin de grupos que hacen que el afrobeat esté hoy en día más vigente que nunca en todo el mundo.

Los músicos de jazz siempre estuvieron muy atraídos por el afrobeat. Desde Roy Ayers en los años setenta a Randy Weston en los años noventa hubo muchas colaboraciones que han dado lugar a álbumes como Africa: Centre of the World de Roy Ayers, editado por Polydor en 1981.

En 1994 Branford Marsalis, el saxofonista de jazz americano, incluyó el afrobeat en su disco Buckshot leFonque denominación de un proyecto musical que genera 2 trabajos, el propiamente "Buckshot Lefonque" de 1994 y "Music Evolution" de 1997, en los que se mezcla el jazz, el funky, el afrobeat y el rap. Estos dos discos se han transformado con el tiempo en referentes del Jazz-Rap, principalmente a causa de la colaboración de Dj Premier en el primero de ellos, en donde sobresale "Breakfast at Denny´s" y del rapero Frank McComb en el trabajo del 97´, con el histórico tema que le da el nombre al disco.

El afrobeat también ha influido en productores importantes contemporáneos como Brian Eno, que acredita a  Fela Kuti como una de sus influencias. Este productor trabajó con los Tolking Heads, una de las bandas más representativas de la new wave, que mezclaba elementos del punk rock y del funky con percusiones muy africanas que recuerdan constantemente al afrobeat.

Los Dj’s de la nueva generación se han enamorado tanto del material de Kuti y del afrobeat que han hecho compilaciones y nuevas mezclas de estas grabaciones, introduciendo de nuevo el género a las nuevas generaciones de oyentes.

En cuanto a las mujeres podemos destacar a la africana de Benin, aunque afincada en Europa, Angelique Kidjo que entremezcla en sus discos el afrobeat y otros ritmos africanos y occidentales.

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  lamardemusicas_afrobeat.mp3  01-jun-09

El Raï podríamos decir que es para Argelia como el Reggae para Jamaica, o el merengue para la República Dominicana, su banda sonora y embajador cultural. El universo tonal y rítmico del raï se originó alrededor de 1900, en el oeste de Argelia, en la ciudad portuaria de Orán. Pero sus orígenes yacen en las antiguas tradiciones religiosas musulmanas y la música folklórica beduina.

La palabra raï significa «opinión», «parecer» o «punto de vista» y se remonta a los tiempos en que un maestro poeta de la tradición melho un, repartía sabiduría y consejos en forma de poesías cantadas en el dialecto local.

Los llamados Cheiks (cantores consagrados que formaban una elite) declamaban al estilo beduino, es decir, acompañados de la "Gellal" (percusión oriental) y de la flauta "Roseau”. En este contexto, el cantante se queja de sus propias desgracias. Sin querer acusar a nadie, se acusa a sí mismo. Para ser más exactos, se dirige a su propia facultad de discernimiento, a su raï que, cediendo a los sentimientos, le ha llevado a tomar las malas decisiones. El canto comienza así: Ya Raï (¡Oh! discernimiento mío). Tiene similitud con otros géneros como el "mawal" en el que el cantante se dirige a su maestro y señor; o incluso con los "layali" en el que se dirige a la noche.

Desde los años 20, los maestros y maestras del raï tradicional oranés como Cheikh Khaldi, Cheikh Hamada o Cheikha Remitti, representan la cultura beduina tradicional. Su repertorio es doble: Por un lado, el registro oficial celebra la religión, el amor y los valores morales en las fiestas de los santos de las tribus, las bodas o las circuncisiones; por otro lado, el registro irreverente en el que bailarinas y músicos ambulantes hablan del alcohol y los placeres humanos, una escapatoria a los rigores de la moral islámica. Este registro estaba prohibido y se cantaba principalmente en los zocos y las tabernas. Estas dos formas constituyen el origen del raï moderno.

Una de las más grandes cantantes de raï de esos tiempos fue Cheikha Remitti que a sus 15 años, se unió a una compañía de músicos argelinos tradicionales y aprendió a cantar y bailar. En 1943, se mudó al pueblo de Relizane y empezó a componer sus propias canciones. Estas describían la dura vida de los argelinos pobres, enfocándose en la lucha para sobrevivir, los placeres del sexo, el amor, el alcohol y la amistad y las realidades de la guerra. Cuando Argelia ganó su independencia en 1962, el gobierno prohibió sus canciones. Sin embargo, sus canciones siguieron siendo populares entre la clase trabajadora y ella continuó cantando en eventos privados. Cuando el raï se volvió llamativo para los jóvenes argelinos, Remitti obtuvo gran popularidad y fue considerada la mamie du Raï (abuela del raï). En los años 80, Remitti se mudó a París, pero nunca perdió sus lazos con Argelia. Murió en la ciudad de la luz debido a un ataque cardíaco el 15 de mayo de 2006. Tenía 83 años. Dos días antes de su muerte había realizado una gran presentación en Le Zénith ante 4.500 personas. A pesar de haber compuesto cientos de canciones, Remitti fue analfabeta durante toda su vida.

En los años 30, se canta el wahrani, adaptación del melhoun con acompañamiento de laúd árabe, acordeón, banjo o piano. Esta música se fusiona con otras influencias musicales árabes, así como españolas, francesas y latinoamericanas. Es así como hacia los años 1950, con Cheikha Remitti esta música que, en un principio, reúne sólo a unos cuantos cantantes, acaba por extenderse, tras la independencia, por toda Argelia. Los instrumentos tradicionales del Raï (la flauta, el derbouka y el bendir) se acomodan a la guitarra eléctrica y su pedal wah wah como en el caso de Mohammed Zargui o de la trompeta y del saxofón en el caso de Bellemou Messaoud. A finales de los 1970, los sintetizadores y las cajas de ritmos hacen su aparición y el Raï se impregna de los géneros rock, pop, funkie, reggae y disco especialmente con Mohammed Maghni, pero también con Rachid Baba Ahmed y Fethi Baba Ahmed que desarrollan la producción de raï. Uno de los impulsores de este cambio significativo fue Rachid Taha, cantante franco-argelino nacido el 18 de septiembre de 1958 en Orán que propone una música emblemática mezclando tradiciones culturales característica de las músicas del mundo con el raï, el tecno o el rock. Crea al compás de sus álbumes un discurso musical inventivo y original. Además su voz ronca y áspera ofrece una versión muy moderna del raï contemporáneo. Reúne, en 1997, todos sus éxitos bajo el título Carte Blanche antes de mencionar, entre planteamiento respetuoso y contribuciones tecnológicas, sus raíces argelinas en el disco Diwan, álbum de reanudaciones de grandes clásicos de la canción árabe.

A principios de los 80 el raï va a nutrirse de nuevos cantantes, los Chebs («joven» en árabe cuyo femenino es chebba):  Cheb Hasni, Chebba Fadila, Cheb Khaled, Cheb Mami, Cheb Sahraoui, Chebba Zahouania o Cheb Kader, así como grupos como Raïna Raï se hacen muy populares en Argelia, ampliando la paleta de colores con otros géneros musicales. El primer festival de música Raï se celebró en Orán en 1985 y, ante el entusiasmo de los jóvenes argelinos, el gobierno reconoce oficialmente el Raï como música nacional, una decisión calificada de intolerable por ciertos grupos islamistas que llegarán incluso a asesinar a ciertos artistas del Raï como a Cheb Hasni.

Hasni nació en Orán el 1 de febrero de 1968 y asesinado en la misma ciudad en 1994 por un fanático religioso. Es una de las grandes figuras de la música raï y uno de los cantantes más populares del Magreb. Desde su primer álbum, grabado con Chaba Zahouania en 1986 y del que vende más de un millón de copias, Hasni canta rai y canciones del repertorio popular oranés y argelino, pero también interpreta a los más grandes cantantes árabes, como Farid al-Atrash.

Otro de los jóvenes de esos momentos era Ahmad Khelifati, más conocido en el ámbito artístico como Cheb Mami, que significa "el doliente" debido a la tristeza de las canciones que interpretaba en sus inicios como cantante. En 1982 lo animan a participar en un concurso transmitido por el canal de televisión argelina, en el programa Melodías de la Juventud. Este adolescente de 16 años cantó la melodía "El Marsam", que era un clásico de la música oranesa de los años 20. La audiencia se paralizó a causa de la pureza emocional de su interpretación y por su armoniosa entonación vocal, la cual capturó perfectamente el título de la canción. Los jueces del concurso representaban al gobierno, el cual rehusaba admitir la existencia de la música raï, de tal modo que eligieron como ganador a un concursante que hizo un cover de una de las canciones de la exitosa diva egipcia Umm Kulthum. Sin embargo, los jueces se vieron forzados a reconocer la ovación general del público, y decidieron premiar a Mami con la segunda posición. El concurso lo popularizó, y fue contactado por uno de los empresarios de una discográfica local llamada Disco Maghreb para que grabara varios casetes. Desde entonces Cheb Mami no ha parado de cantar y grabar, viviendo a caballo entre Francia y Argelia.

El raï desembarca en Europa vía París a finales de los 80 y alcanza la popularidad en los 90. Los artistas más conocidos como Cheb Khaled, Rachid Taha, Faudel o Cheb Mami viven en París y dan conciertos internacionalmente. Ante tal éxito, compositores de diferentes estilos se adhieren al movimiento, Jean-Jacques Goldman, célebre cantante y compositor francés, compone Aïcha para Khaled y muchas canciones se interpretan en francés. El Raï aprovecha para mezclarse con otros estilos como el rap, el reggae, el rock o la música techno. Un ejemplo de este mestizaje musical y cultural lo representan el grupo francoargelino Zebda nacido en 1985 que, con un discurso comprometido socialmente y una mezcla de raï, rock, reggae y música tradicional francesa, entre otras, tuvieron un impresionante éxito comercial. Sin embargo, el gran rey y maestro del raï es Khaled, nacido en la ciudad portuaria de Sidi-El-Houri, Orán, en 1960. Se convirtió en una estrella en Argelia sin haber pasado nunca por la radio. En 1986 se instala en Francia y en 1996 graba el álbum Sahra junto con Jean-Jacques Goldman. Canciones como Aïcha, Sahra u Oran Marseille cosecharon un enorme éxito. En 1998 participó en París en el mayor concierto de música árabe en Francia, el “1, 2, 3 soleils”, nombre que se debió a los 3 artistas de raï que participaron en él: Khaled, Faudel y Rachid Taha. Este concierto consolidó al raï internacionalmente.

Recientemente, en el verano de 2004, surge una nueva ola musical que conjuga raï y R&B, gracias a la compilación Raï’n'B Fever que reunió grandes nombres de los dos géneros musicales. Entre otros a la nueva generación de cantantes de raï Chebba Maria y Cheb Amar junto al rapero francés Aketo que interpretan el tema titulado Ya denia.

Desde hace varios años, Cheb Bilal es la principal estrella del raï, hasta el punto de que, como figura, ha trascendido ya el papel propio de cualquier músico y es, en realidad, un líder de la juventud árabe. Sus ídolos desde siempre han sido Khaled, Mami y el difunto Hasni. Algunos medios califican su música como de “raï moral” porque sus textos tratan de los problemas de la gente, sobre todo de la juventud. En su disco en directo de 2008, dedicó un tema a Zaragoza durante la Expo.

En Marruecos existe un estilo de canción similar al raï que se conoce como chaabi. Actualmente unos de los cantantes más influyentes es Cheb Mimoun El Oujdi.

Desde 2001, en Francia, el Consejo Superior del Audiovisual CSA ha reconocido el raï como género musical de pleno derecho adjudicándole dos frecuencias de radio FM en la región parisina. La emisora lleva el nombre de Only Raï y fue fundada por Ahmed Ben Abla, a la cual se puede acceder a través de las frecuencias de FM 94.6 y 91.50.

Escucha el programa:

   lamardemusicas_rai.mp3  25-may-09