La palabra Swing hace referencia tanto a un estilo musical dentro de la evolución del jazz, como a una cualidad musical inefable (en un sentido similar al de la palabra duende aplicada al flamenco, la palabra flow aplicada al Hip Hop o la palabra tumbao aplicada a la salsa). Se dice que una interpretación tiene swing cuando los intérpretes logran conferirle a la música una cualidad rítmica que se presta particularmente al movimiento del balanceo, te hace chasquear los dedos y mover los pies.

¿Pero cuáles son los elementos innovadores del swing con respecto al jazz tradicional?

• Primero, incrementa el número de miembros de las bandas, mediante la duplicación de instrumentos, formando lo que se conocen como Big Bands.
• Establece una estructura invariable de las piezas, fijándose rígidamente el lugar y duración de las improvisaciones y regulándose mecánicamente la relación entre las partes.
• Por último, utiliza, como recurso de tensión, el Riff, frase corta repetida varias veces, con crescendo final. Por el contrario, se suprimen elementos típicos del jazz tradicional.
• Sin embargo, el Swing conserva aspectos importantes de la tradición, especialmente en la forma de abordar el instrumento y la manera de improvisar, así como el carácter continuo del ritmo.
• En su temática, se revaloriza el blues y se adaptan melodías populares del Music Hall, produciéndose además una evidente mejoría técnica de los instrumentistas.

El Swing aparece, como estilo, en el momento en que se plantea la crisis económica de 1929. El jazz recibiendo influencias muy fuertes de la tradición europea y del Music Hall se comercializa. La crítica blanca comienza a valorar los aspectos más asimilables del jazz, hasta ese momento en manos de los afroamericanos, buscando producir una imagen conforme a la normalidad musical occidental. Lo que estaba en juego en este proceso de dominación económica del jazz por los intereses comerciales blancos era la garantía de perpetuación de los mismos mediante toda clase de presiones sobre el desarrollo de la música: Lanzamiento de modas, de músicos con carisma, de estilos, de bailes… Se trataba, en definitiva, de una cada vez más profunda colonización, pareja a la popularización del jazz (que comienza a trascender fronteras) y que llevó a su aceptación por la burguesía blanca estadounidense, en sus versiones más comerciales, vendidas por la prensa incluso con la concesión de títulos tan ficticios como el de Rey del Jazz, otorgado a Benny Goodman, al que se le considera el padre del Swing.

Las primeras bandas que se reconocen dentro del Swing, a comienzos de la década de los 30, provienen de Nueva York: la orquesta de Fletcher Henderson, pianista cuya orquesta fue pionera en el abandono del jazz y escuela de grandes instrumentistas; la banda del clarinetista Benny Goodman; la del batería Chick Webb, en la que estuvo, el afamado saxofonista Benny Carter, o la cantante Ella Fitzgerald; y, sobre todo, la orquesta de Duke Ellington, asidua al Cotton Club y especialista en blues, que marcó el punto de referencia para casi todas las bandas afroamericanas de las décadas siguientes. Como culmen del swing comercial encontraríamos la orquesta de Glenn Miller.

Fuera del ámbito de influencia neoyorquino el jazz sufrió procesos de cambio algo diferentes y es en Kansas donde se desarrollaría otra corriente distinta del swing. La llamada Escuela de Kansas elaboraba su temática bajo una directa influencia del Boogie Woogie y de los Blues al estilo de Texas. Esta peculiar forma de ver el Swing dio a luz, entre 1930 y 1940, a una serie de Big Bands de alto interés, culminando con la de Count Basie, legendaria por su potente y lineal swing, y por la entonación abierta, sonora y empastada de sus instrumentos de viento. Por ella pasaron algunos de los mejores instrumentistas de la década y, además, dio apoyo a un buen número de cantantes entre los que destacaríamos a Sarah Vaughan o John Hendricks.

Paralelamente al desarrollo del Swing por las Big Bands blancas, se produce una persistente actividad de pequeños combos, principalmente tríos o cuartetos liderados por pianistas, guitarristas, trompetistas o saxofonistas que mantienen una postura musicalmente heterodoxa, a pesar de que asuman los postulados esenciales del Swing. Esta escuela de swingers rebeldes preparará de forma paulatina la evolución del jazz hacia formas susceptibles de superar el colapso de las orquestas a finales de los años 40 y los que harán que el swing llegue hasta nuestros días.

Por otro lado y por primera vez en la historia, el jazz trasciende fronteras y se produce una fuerte expansión hacia otros países, principalmente Europa. La escuela principal, como era de esperar, se desarrolla en París, con un dominio casi abusivo del Hot Club de Francia. Se trata de un swing muy elaborado cuyo principal representante es el quinteto del guitarrista gitano francés (aunque nacido en Bélgica), Django Reinhardt, creador de un estilo personal e inconfundible que aún hoy en día tiene influencia en un buen número de instrumentistas modernos, como, por ejemplo, en el violinista, Stephane Grapelli que estuvo en el quinteto.

En la actualidad el swing se ha extendido por todo el mundo. Así podemos escuchar grupos que interpretan esta música en Zimbabwe o Mauritania pasando por Hawaii o Australia.

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El zouk es un estilo de música muy rítmica originario de las antillas francesas. La palabra zouk significa "fiesta" o "festival" en creole, idioma hablado por la población antillana que es una mezcla de francés y de otros idiomas africanos. El zouk es muy popular en países franco y luso parlantes, incluyendo sus propios estilos de zouk, como en Cabo Verde. En Europa, evidentemente, es muy popular en Francia así como en la zonas franco parlantes de Norteamérica y Canadá, destacando la provincia de Quebec.

Los orígenes del Zouk los podríamos situar en la música Bèlè. La bèlè es el nombre que recibe una danza y una música heredadas de los ancestros africanos llegados a Martinica durante la esclavitud para trabajar en las plantaciones de caña. La bèlè, conocida también como Bel Air siguiendo el afrancesamiento de la palabra en creole, es un género musical en el que un cantante con voz muy potente desarrolla un diálogo con los que bailan y con el que toca un tambor. El tambor sigue un ritmo llamado “ti-bwa” percutido con dos palillos. Este ritmo es originario de Dahomay (actualmente Bénin). Su nombre africano es djouba, nombre que se conserva aún en Haití. Los 2 grandes maestros de la Bèlè en la actualidad son indiscutiblemente, Ti Emile (Emile Casérus) y Ti Raoul (Raoul Grivalliers).

Mezclando el ritmo de la bèlè con la polka traída desde Europa por los franceses y holandeses, los músicos negros de la Martinica crearon un nuevo género que será bautizado como el beguine. Durante la Exposición Colonial de 1931 numerosos músicos antillanos se dan cita en París y el beguine se extiende por todos los bailes populares. El Beguine conocerá horas de gloria hasta 1970, momento en el que las músicas comerciales invaden el mercado. En los últimos tiempos la diosa del beguine ha sido sin duda Edith LEFEL, la voz cristalina como las aguas de su Martinica querida que murió en 2003.

Entre los años 70 y 80, el grupo Kassav retoma los ritmos antillanos y desarrolla una música más comercial con ritmos que  se están extendiendo en ese momento como la música disco. Este ritmo se acuñaría con el nombre de Zouk. Término derivado del nombre con el que en los años 60 se conocían las fiestas sorpresa o espontáneas en Martinica. Así el verbo "zouker" quería decir irse de fiesta, a bailar. El grupo Kassav estaba dirigido por Jacob Desvarieux, nacido en Guadalupe y que vivió durante mucho tiempo en Senegal. Este ex guitarrista de Heavy Metal se unió al bajista George Decimus, al pianista Jean Claude Naimro y al percusionista Claude Vamur. En 1977 estos cuatro afroantillanos comienzan a experimentar en su laboratorio las fórmulas para abrir un espacio musical fresco, diferente y comprometido con la reafirmación cultural afrocaribeña. A finales de la década de los setenta graban su primer disco titulado Love and Ka Dance en el cual reflejan la influencia de la música de origen congoleña proyectando el ritmo Ka en la batería, el beguine en el bajo, las melodías haitianas y el funk en la guitarra. No realizan ningún concierto en vivo hasta 1982. Pero es en 1986 cuando se presentan en el gran teatro Zenith de París lo que significó la consolidación de Kassav.

A partir del ejemplo de Kassav un montón de otros grupos irrumpen en el panorama musical. Entre ellos podríamos destacar a Malavoi, Experience7, Franky Vincent o la Compagnie Créole entre otros que hicieron posible que este ritmo se hiciera muy popular.

El zouk se extendió posteriormente por toda la Guayana Francesa y el norte de Brasil donde dio origen a la conocida Lambada. La lambada es tanto una canción zouk como un estilo de baile erótico de algunas zonas del Norte de Brasil. Se baila en puntas con el cuerpo y rodillas flexionadas, piernas abiertas e intercaladas con las del acompañante y preferentemente en pareja o grupos haciendo alineaciones (filas) y está acompañado de giros y movimientos lentos, pero con posiciones donde se pretenden frotar los órganos sexuales y los cuerpos de ambos danzantes. En el año 1989 el grupo Kaoma formado por emigrantes brasileños en Francia lanzaron al mercado su tema “Lambada” que se bailaría en todas las discotecas del mundo.

El zouk así mismo da el salto y vuelve a África de donde salieron sus raíces. Principalmente, llega a Angola y Cabo Verde donde se junta a un ritmo que ya existía, transformándose de esta manera en lo que conocemos actualmente como Kizomba. De aquí vuelve a Brasil donde lo recogerán los ritmos latinos. La kizomba es además un baile pausado, lento, de carácter romántico que permite sentir fuertemente el contacto con la pareja.

En la actualidad el zouk se ha fundido con otros ritmos discotequeros como el funky, el R&B, el RAP o el dancehall, formando la nueva generación del zouk. Así en las grandes discotecas el zouk tiene un sitio preferente en sus versiones lambazouk, Rapzouk o RnBzouk y cantantes como Ti-Vice, Ti-Kabzy, Dj-akout o el grupo Carimi son de lo más escuchados.

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Con el anglicismo J-Pop, inventado por la estación de radio J-WAVE en la época de los 70’s, se reconoce a la música pop japonesa moderna o Kayokyoku basada principalmente en las influencias occidentales más que en las influencias musicales tradicionales japonesas o Enka. Entre los cantantes e intérpretes de J-Pop se incluyen músicos populares, así como diferentes famosos entre los que destacan modelos y cantantes adolescentes que han llegados a ser ídolos de las masas a base de marketing que se convierten en locutores de radio, presentadores de TV, actores y actrices o intérpretes Seiyuu, conocidos por ser actores o actrices de doblaje en las películas.

Las primeras músicas pop eran de origen occidental y aún conservaban las raíces de la música tradicional japonesa, pero que no deben confundirse con la música folclórica tradicional. Esta música conocida como Enka se compone básicamente de baladas. Dentro de las exponentes femeninas lo más probable es que la indiscutida “Reina del Enka” sea la cantante Hibari Misora. Ella comenzó su carrera desde muy temprana edad y se hizo una especie de heroína en Japón de la posguerra, que continuó hasta su muerte en 1989.

El J-Pop tiene sus raíces más profundas en el Jazz, música que se hizo muy popular en el comienzo de la Era del emperador Showa a comienzos del siglo XX. El Jazz introdujo la diversión en la escena musical japonesa de los bares y clubes., “Ongaku Kissa” Sin embargo, durante la Segunda Guerra Mundial, el Jazz se censuró por tratarse de una influencia norteamericana. Después de la guerra, al comienzo de la ocupación japonesa por Estados Unidos, las tropas americanas establecidas en Japón introdujeron el boogie-woogie, el mambo latino, el blues y la música country. Canciones como el “Tokyo Boogie-Woogie” de Shizuko Kasaoki, el “Tennesse Waltz” de Chiemi Eri, el “Omatsuri Mambo” de Hibari Misora y el “Omoide no waltz” de Izumi Yukimura se conviertieron en temas muy populares. De entre todos estos músicos y cantantes, podemos destacar a Kyu Sakamoto que dejó un legado importante a las generaciones futuras. Su tema “Ue Wo Muite Arukou”, conocido también como Sukiyaki, se convertiría en un himno recordado por todas las generaciones en Japón.

Los años cincuenta trajeron una estrella llamada Keiko Fuji, que también se hizo ampliamente popular. Estuvo casada con el cantante de Enka, Kiyoshi Maekawa, del cual se divorciaría al poco tiempo. Más tarde se mudó a los Estados Unidos y congeló su carrera. Allí volvió a casarse y tuvo una hija, la cual, finalmente, se convertiría en uno de los íconos del J-Pop moderno, Hikaru Utada.

En 1956 el rock and roll irrumpe en el panorama nipón de la mano de un grupo de música country llamado Kosaka Kazuya and Wagon Masters, lanzando al mercado el álbum Heartbreak Hotel, originalmente interpretado por Elvis Presley. Había nacido el J-Pop propiamente dicho. El movimiento del rock and roll alcanzó su pico de popularidad en 1959 con una película enfocada en las interpretaciones de bandas de rock and roll japonesas. El decaimiento del Rock and roll en Estados Unidos fue seguido en Japón y, poco a poco, los grupos japoneses que sólo interpretaban copias del rock-and-roll norteamericano desaparecieron.

Años más tarde, diversos grupos retomarían el camino mezclando el rock’n roll con el rock que se produce en occidente a partir de los 70 y los 80.

Con el surgimiento de la TV y el desarrollo de la tecnología, surge una nueva forma de participación del público en la música: el karaoke. Interpretar temas de la música americana en forma de “covers” se convirtió en un hecho habitual que se incrementó con la visita de los Beatles en 1966. En esa época de los 60 nuevos instrumentos musicales, como las guitarras eléctricas y las baterías, se incorporaron al pop japonés. Desde entonces, el J-Pop engloba una amplia variedad de estilos musicales, que incluyen el rock, el pop, el R&B o el hip hop, entre otros. Aunque hoy en día todavía pueden verse esas influencias, el J-pop se ha convertido en un estilo musical con sus propias características.

Los 70 se caracterizaron por un importante crecimiento en la industria musical, ligado estrechamente a los aparatos de “marketing”. En la primera década de los 70, el trío femenino Candies fue uno de los grupos más importantes, logrando los récords de ventas hasta ese entonces. En la segunda mitad de la década, el dúo Pink Lady se convirtió en el éxito más grande de la historia moderna de Japón con su tema “SOS” acompañados de una red de “merchandising” como muñecas, radios, maquillaje, alimentos y ropa, fenómeno sin precedentes en Japón, pero que hoy en día genera más ganancias que los propios discos. Del lado masculino surge el legendario grupo Southern All Stars.

En los 80 se desarrolla el concepto de lo que ahora llamamos como “música idol”. La famosa Seiko Matsuda en 1980 representa uno de los primeros ejemplos de éste fenómeno musical y cultural, integrado por cantantes adolescentes que con temas pegadizos se convertían en verdaderos ídolos nacionales. A finales de los 80, el grupo Onyanko Club se convierte en la organización idol más importante y numerosa de esa década. Compuesta en sus inicios por 6 integrantes llegó a tener hasta 31 miembros. Esta organización de chicas de entre 12 y 16 años generó todo un movimiento mediático, en el cual, además de lanzar sus temas musicales, tenían su propio programa de TV: Yuyake Nyan Nyan, así como sus propias películas y dramas de TV.

Por otro lado, a finales de los 80 y comienzos de los 90 surgen grupos de pop – rock, como Chage and Aska, L’arc-en-Ciel y X Japan que obtuvieron una gran popularidad, dando pie a lo que a finales de los 90 se conocería como el Visual Kei: grupos rock que van desde el punk hasta el nu metal cuyo eje de unión es la imagen y la estética influenciada por el anime (dibujos animados japoneses como “dragon boll” o “Naruto”) y el manga (cómic japonés).

A mediados de los 90 con Namie Amuro comienza la estética gal, una estética que se fija en la estética femenina de EEUU como Madonna o en la de Europa de las Spice Girls. Es en este momento que el pop japonés empieza a ser conocido más allá de las fronteras japonesas. En esa época el pop japonés estaba influido por el eurobeat y el dance, con grupos como SMAP o V6, típicos grupos de chicos que cantan y bailan en la más pura estética de los Back Street Boys. Desde 1996 hasta 1998, el estilo se fue haciendo menos dance y más pop surgiendo grupos como MAX, SPEED, Kinki Kids o la estrella mediática Hikaru Utada, considerada una celebridad de masas en Japón, cuyo álbum First Love se convertiría en el disco más vendido de la historia del Japón y  cuyas canciones han alcanzado éxito incluso en Estados Unidos, país que la vio nacer.

En la actualidad, a la hora de hablar del pop japonés, el principal referente es Ayumi Hamasaki. Con una carismática presencia en el mundo de la moda y creadora de tendencias, sus canciones describen sus emociones de una manera directa, lo que la ha hecho muy popular entre los jóvenes japoneses. Comenzó su carrera musical en 1999 y en muy poco tiempo se convertiría en una de las más importantes intérpretes en la historia de la música japonesa, vendiendo hasta el 2007 unos 50 millones de discos.

El J-Pop actual se ha diversificado de tal manera que ofrece gran cantidad de artistas y estilos diferentes, motivando que el mundo occidental esté volviendo la vista hacia estos estilos musicales, algunos de ellos muy distintos a lo que impone la cultura musical de Estados Unidos y sus medios de comunicación. Entre ellos podemos citar el ParaPara un modo de bailar en discotecas o los domingos en las plazas de Tokio que consiste en una serie de coreografías en las que se utilizan principalmente los movimientos de manos y brazos. Lo más característico es que son coreografías en las que participan grupos muy numerosos. Uno o dos se ponen al frente y hacen de “maestros de ceremonia”, el resto siguen sus pasos. El ParaPara ha cautivado especialmente a los videojugadores del mundo entero por medio de un simulador de baile llamado “ParaParaParadise” de la compañía japonesa de videojuegos Konami.

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   lamardemusicas_jpop.mp3   04-may-09

La música klezmer es un estilo de música judía que nació en el Este de Europa en la época medieval y que ha viajado por todo el mundo acompañando a los judíos. En la música klezmer se mezclan las tradiciones musicales judías con las diferentes músicas europeas con las que estaba en contacto, principalmente de Europa del Este, Balcánicas y Centroeuropeas.

El significado de la palabra “klezmer” deriva de los vocablos hebreos “kley” (recipiente) y “zimmer” (canción), que se traduciría como recipiente de canciones o más profundamente “el ser humano es un portador de canciones”. El término era utilizado en yiddish (un dialecto considerado vulgar como resultado de la mezcla del eslavo, alemán y hebreo) para referirse al músico que interpretaba la música. Actualmente se utiliza para denotar el estilo musical. En la música klezmer los instrumentos se tornan cualitativamente espirituales con características humanas como la risa y el llanto; y el músico no hace música, sino que habla y reza a través de su instrumento.

El klezmer era generalmente interpretado por un grupo de tres a seis músicos. Los músicos o “klezmorim” eran gente de mala reputación, músicos nómadas que degustaban con exceso, aun siendo muy pobres, del vino y de las mujeres. Sin embargo y pese a estar mal vistos, eran el único recurso de las villas y de los guetos judíos para poder celebrar convenientemente, es decir, con algo de alegría, acontecimientos como las bodas y las fiestas.

Los instrumentos habituales eran el violín, el clarinete, la flauta, el violonchelo y la batería. Las leyes solían limitar el tamaño del grupo y las horas a las que podían actuar. El violín era el instrumento más popular porque algunas localidades habían prohibido los instrumentos agudos como el clarinete, la trompeta o la batería. La música era secular, informal, y mayormente improvisada, ya que los klezmorim raramente tenían estudios musicales y no sabían leer música.

A medida que fue transcurriendo el tiempo, los grupos fueron creciendo en número hasta formar verdaderas bandas.

A comienzos del siglo XX los judíos abandonaron Europa del Este, primero, y posteriormente Centroeuropa debido a los linchamientos y persecuciones masivas. Muchos se trasladaron a los EEUU y, por lo tanto, el klezmer viajó con ellos. Desafortunadamente, los hijos de los judíos que se desplazaron a los EEUU no estaban demasiado interesados en la música del viejo hogar de sus padres y se interesaron más por la música popular americana. La destrucción de la vida judía en Europa durante la Segunda Guerra Mundial puso fin a la cultura del klezmer en Europa. Aunque la música klezmer pervivió en la memoria.

Por suerte, en los años setenta algunos jóvenes músicos comenzaron a investigar en las tradiciones de la música klezmer. En Berkeley (California) se forma en 1975 una de las primeras bandas klezmer de la era moderna llamada The Klezmorim. Rápidamente se hacen famosos llegando incluso a ganar un premio Grammy de la música en 1983. Gracias a esto, comienzan a tocar música klezmer a lo largo de todos los EEUU y de Europa. Junto a otros grupos de ambos lados del Atlántico, el interés por el klezmer poco a poco resucita. Desde entonces se están haciendo grandes esfuerzos por recuperar el auténtico estilo de la música klezmer de la vieja Europa, a partir de documentos escritos y algunas grabaciones de comienzos del siglo XX.

De esta época del resurgimiento klezmer podemos citar también a otros músicos y grupos como el influyente clarinetista argentino Giora Feidman que colorea su música con unas finas pinceladas de música latina. Hacia el final de los 80, coincidiendo con el fenómeno emergente de la Knitting Factory (escenario underground neoyorquino), aparece en escena el grupo The Klezmatics que comienza a mezclar el klezmer con otros estilos musicales que les llevan a entrar en las listas de venta de la música Word en los EEUU.

En esta orilla del Atlántico llegó la hora de Cracovia (Polonia), el origen y raíz de la música klezmer europea actualmente. De la mano de Kroke, que se ha consolidado como una banda que desarrolla un tipo de klezmer progresivo, y de los Klezzmates que, surcando en otra dirección, se sumerge en la fusión con el jazz, el barrio judío de Cracovia, el Kazimierz, ha vuelto a resurgir después de las cenizas en que lo convirtieron los nazis. Hoy en día se pueden visitar restaurantes con platos tradicionales y música klezmer cada noche. Además en el mes de junio se organiza un festival de la cultura y música judía, donde se puede escuchar klezmer y bailar en las calles del barrio y sentir un ambiente único. El género musical judío klezmer se desmitifica así después de una larga historia de destierro.

La riqueza musical del klezmer manifiesta en la actualidad señas de identidad propias, pero al mismo tiempo se diversifica y expande geográficamente. En la actualidad, lo más importante es que han aparecido muchos músicos, no sólo de origen judío, a quienes les ha interesado este arte y la interpretación de la música klezmer buscando nuevas vías de expresión. Las melodías y temas tradicionales, que suelen ser anónimas, son el material básico con la que los klezmorim de hoy en día enriquecen con sus propios arreglos y composiciones, añadiendo al folklore de diferentes lugares del mundo, elementos del jazz, del soul y otros estilos de la música actual como el pop, el rock, el punk o el rap. En este aspecto podemos mencionar al clarinetista afroamericano Don Byron que fundó la Klezmer Conservatory Band, al grupo chileno La Mano Ajena, a los ingleses Oi va voi, un grupo formado en los 90 y que tiene la peculiaridad de mezclar la música klezmer con música electrónica, los holandeses Amsterdam Klezmer Band, los estadounidenses Zydepunks que mezclan música tradicional cajún, klezmer y punk, y otro sin fin de grupos que acaparan la escena actual del nuevo klezmer.

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  lamardemusicas_klezmer.mp3  20-abr-09