La Rebética o rembétika o rebétiko es un género musical griego cuyas raíces se encuentran en la música griega de mediados del siglo XIX de la costa occidental de Asia Menor y Constantinopla y que se desarrolló plenamente en los bajos fondos de las ciudades griegas, principalmente Atenas, El Pireo, Tesalónica y Siros que tras la expulsión de la población griega de Asia Menor después de la derrota en Esmirna del ejército griego en 1922 termina malviviendo en los suburbios de las ciudades. La denominación tiene su origen en la palabra rebetis que designa justamente a la persona rebelde y marginada que vive de y en los bajos fondos.

La rebética es frecuentemente comparada con géneros como el tango, el fado o el blues, por su origen marginal y su temática, generalmente relacionada con amores trágicos, pero también con temas como la droga, la cárcel y la vida marginal en general. La música rebética está emparentada con otros géneros de música griega como la demótika, la nisiótika, el sirtaki o la laika, que no dejan de ser variedades según el lugar donde se desarrolle la música y según el tipo de danza que la acompañe.

De la comunión entre la música microasiática y diversos elementos de la música tradicional griega, surge el genuino rebético. En un primer momento la temática de la música rebética gira fundamentalmente en torno al amor, las drogas y la delincuencia. La influencia de la música de Esmirna es tan abrumadora que, en ocasiones, resulta difícil distinguir entre el genuino rebético y la canción esmirní. Poco a poco, sin embargo, el rebético irá adquiriendo su propia personalidad.

En 1932 se realizan las primeras grabaciones de música rebética en Grecia por Márkos Vamvakáris. En 1936 comienza la dictadura de Ioannis Metaxas que establece la censura. Toda la discografía con referencias al hachís, al opio, etc. es prohibida. Se continúan, sin embargo, grabando canciones rebéticas con temática legal. Esta situación se mantiene hasta la segunda guerra mundial, pues con la ocupación alemana de Grecia se prohíben todas las grabaciones. Sin embargo los emigrantes griegos de los Estados Unidos continúan con las grabaciones con temas ilícitos, apareciendo, además, una serie de nuevos estilos rebéticos propios de los emigrantes griegos de Estados Unidos con diversas influencias de la música popular americana.

Podemos considerar a Vassilis Tsitsanis como el más grande de los músicos de este período.

Tras la liberación de Grecia por los aliados, la música rebética comienza a aproximarse a la música popular comercial y a alcanzar a un público menos marginal y más amplio. Paralelamente la temática del repertorio rebético abandona definitivamente los temas marginales y se centra en el amor y los problemas sociales. Aparecen nuevos cantantes como Sotiría Béllou o Stelios Kazantzidis que se hacen muy populares.

La mayoría de los estudiosos consideran que a mediados de los años 50, el rebético desaparece en su forma genuina y da paso a un tipo de canción ligera con raíces rebéticas a la que se suele denominar arjontorrebético.

Comienzan entonces a publicarse estudios y antologías de música rebética, biografías de rebetis y nuevas grabaciones de temas clásicos.

Si a alguien se le ha reconocido como la gran voz de la música griega, ese es Stelios Kazantzidis, movilizador de masas que en sus principios fue torturado por tocar el buzuki, pero que en el momento de su muerte en 2001, tras una larga enfermedad de cáncer, fue enterrado con honores de estado.

La orquesta típica de rembético emplea el busuki, el baglamas y la guitarra. El busuki, que es un instrumento de cuerda de la familia de los laúdes de cuello largo, juega el papel más importante, puesto que es el instrumento solista por excelencia, con él se toca la introducción y se acompaña al cantante. El papel del baglamas, instrumento parecido al busuki pero de mástil más pequeño, es sólo el de acompañamiento, con raras excepciones. Proporciona un elemento rítmico y armónico. La guitarra sostiene la melodía mediante cambios en la melodía base.

Pero las canciones rebéticas no las interpretaba exclusivamente la orquesta de rembético, sino también grupos de amigos, que probablemente sólo tocaban el busuki y el baglamas. En este caso, también los dedos y las manos de los participantes servían para marcar el ritmo, así como las cucharas, los vasos o los pies.

El buzuki se difunde enormemente en toda la música popular y comercial griega, aceptado por grandes compositores renovadores de la música popular griega como Míkis Theodorákis o Mános Chatzidákis.

Hablar de rebétika es también hablar de danzas. Estas fueron importadas por los emigrantes que llegaron a Atenas tras la caída de Esmirna en 1922. Algunas de ellas han llegado hasta nuestros días convirtiéndose, en algún caso, en seña de identidad cultural de Grecia. Entre ellas podemos destacar las siguientes:

· El Hasapiko fue la danza de la asociación de Carniceros de Constantinopla durante el período bizantino. La danza se mantuvo popular en Constantinopla, Asia Menor y algunas islas durante siglos. Fue absorbida por la música Rembétika y se transformó en panhelénica. Gracias a la película “Zorba el Griego”, se transformó en la danza griega más conocida en el mundo. Existen muchas variaciones y nunca 2 grupos de bailarines realizan las mismas variaciones. La danza se realiza con las manos en los hombros de los compañeros y los bailarines improvisan el orden de las variaciones comunicándose con palmadas en los hombros. Una simplificación del Hasapiko de ritmo lento, el “Syrtaki”, fue realizado por primera vez en Francia en los años 50 y difundido posteriormente en Grecia. Los nombres Syrtaki y Hasapiko son usados indistintamente en América y suelen llamar al Hasapiko lento, “Zorba”, después de la película que lo popularizó.

· El Tsifte-Teli o danza del vientre griega. Estas danzas fueron originadas hace miles de años por las primeras personas no griegas de Asia Menor como danzas de fertilidad. El tsifte-teli moderno es de origen turco. Los “rembetes” griegos de Esmirna aprendieron de ellos y la introdujeron en Atenas. Su ritmo se puede encontrar en la música popular griega actual.

· El Zeibekiko es una danza que se baila de a uno famosa a lo largo del mundo griego. Toma su nombre de los Zeybeks, personas que no eran ni griegas ni turcas y que residían en las colinas cerca de Esmirna y Prousa en Asia Menor. Tanto los griegos como los turcos aprendieron la danza de los Zeybeks y desarrollaron sus estilos nacionales. Los pasos son casi todos improvisados y la danza ofrece una oportunidad para profundas expresiones individuales.

Si hay un estilo de música con el que toda Grecia se siente identificada, sin importar la edad o la clase social, es el rebétiko que, más que un estilo musical, es una seña de identidad nacional. El rebétiko representa hoy en día el alma de Grecia y es lo que el turista espera ver cuando va de visita. En la actualidad, la música griega, sin ser rebétika en su totalidad, se nutre de ella y voces como las de Nana Mouskouri, Elefteria Arvanitaki, Haris Alexiou, Elena Paparizou o George Dalaras pasean con orgullo por todos los escenarios mundiales la música griega que empezó siendo una música marginal cantada por personas marginadas.

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   lamardemusicas_rembetika.mp3 30-mar-09

El Fado es la expresión más conocida internacionalmente de la música portuguesa. En el Fado se expresan los malos momentos de la vida a través del canto. Generalmente es cantado por una sola persona, acompañado por la viola, nombre con el que se conoce a la guitarra española, y por la guitarra portuguesa. Los temas más cantados en el fado son pequeñas historias del diario vivir de los barrios humildes, la melancolía, la saudade o nostalgia y, especialmente, la frustración y el fatalismo.

Una de las mejores definiciones de fado nos la ofrece la propia Amália Rodrígues en su canción Todo esto es fado: “Amor, celos, ceniza y fuego, dolor y pecado. Todo esto existe. Todo esto es triste. Todo esto es fado”.

Suele mencionarse que la palabra Fado viene del latín fas, fatum, sinónimo de “destino”. De origen oscuro, surgió probablemente en la primera mitad del siglo XIX. Es seguro que tiene profundas raíces en el folclore portugués y, en especial, en sus poesías de un gran lirismo. También encontramos sus orígenes en ciertas melodías brasileñas, las modinhas, importadas por los estudiantes brasileños que iban a las universidades portuguesas incluso antes de la independencia de su país en el año 1835, o en bellas canciones trovadorescas y en ciertos cantos de tipo religioso que aportan un tono místico a esta clase de canción. Incluso en Lisboa, el fado tiene reminiscencias de las danzas africanas que habían importado los mestizos afincados en el siglo XIX en los populares barrios de Alfama y La Mouraria. Dado su origen como espectáculo tabernario son habituales los paralelismos con otros estilos relevantes en la misma época: el tango, el rebetiko griego, el blues o el flamenco. Durante la dictadura salazista fue protegido por las instituciones oficiales y cultivado como espectáculo turístico; por eso, después de la revolución de los claveles la popularidad del fado fue en descenso, sin embargo, actualmente, el fado goza de una gran popularidad y se puede oír en los cafés y en las calles de cualquier ciudad portuguesa no sólo como música, sino también como poesía, palabras, actitudes e incluso como una forma de vida, ya que siempre ha mantenido el sentimiento de libertad, fraternidad y justicia social como una toma de conciencia ideológica y de intervención política.

Existen básicamente dos tipos de fados:

a. El Fado tradicional de Coimbra que está conectado a las tradiciones académicas de la Universidad de Coimbra. Es principalmente, si no exclusivamente, cantado por hombres. Tanto los cantantes como los músicos visten de negro de capa y batina. Los temas hacen referencia a amores estudiantiles o a la ciudad. El estilo hace especial hincapié en el componente instrumental. El más conocido de los fados de Coimbra es “Coimbra é uma canção” (“Coimbra es una canción”), que tuvo un notable éxito en toda Europa.

b. El Fado de Lisboa es cantado tanto por hombres como por mujeres y es típico escucharlo en las “casas de fado”, tabernas y restaurantes que atraen al personal al reclamo de la música. Las mejores casas de fado se encuentran en los barrios de Alfama, Mouraria, Bairro Alto y Madragoa. Tiene como característica fundamental el cantar con tristeza y con sentimientos de dolor pasados y presentes, pero también puede contar una historia divertida con ironía. Las ornamentaciones vocales y el dramatismo son semejantes a los de otros estilos mediterráneos. Su intérprete más conocida fue Amália Rodrigues.

En ambos estilos el fadista se hace acompañar por tres o más guitarristas, al menos uno de los cuales toca la guitarra portuguesa o guitarra de fado que da al acompañamiento musical del fado su tono doliente característico.

Este instrumento tan característico en el fado es una evolución de la antigua cítara y está emparentado en la actualidad con la guitarra inglesa o cittern. El instrumento posee 12 cuerdas y el cuerpo tiene forma de pera. Es a comienzos del siglo XIX que comienza su asociación con el Fado, asegurándose así su supervivencia, y convirtiendo a Portugal en el único país europeo en donde la cítara se ha conservado activamente.

A finales de los años 90 cristaliza en el panorama musical del fado una pléyade de voces nuevas, atrevidas, cautivadoras, firmes, sobrias y sensibles a la vez. Principalmente son mujeres nacidas en tierras lusitanas o en lugares lejanos, de padres portugueses. En todas ellas brota el manantial del fado con la fuerza de la tradición y el certero desafío de añadir otros colores a la nostalgia y la saudade de las fadistas del siglo pasado. Hoy, sus nombres copan reconocimientos internacionales, su presencia es demandada en cualquier escenario del mundo y sus trabajos hallan el calor del público. Entre todas las voces podemos destacar algunos nombres: Mísia, Mariza, Katia Guerreiro, Cristina Branco, Mafalda Arnauth y Dulce Pontes. Entre los nombres masculinos destacaríamos a Carlos Manuel Moutinho, conocido artísticamente como Camané.

Este nuevo fado usa una fusión con otras formas poético-musicales y el cambio se nota también en la orquestación. En los discos de las nuevas fadistas fluyen el cello, las violas, se cuela el fliscornio, la trompeta y percute el piano o tocan con músicos de otros países (Carlos Núñez, Uxía, etc.).

El fado atesora, hoy como ayer, lo mejor de la poesía bella, culta, popular y festiva. El poeta pone en la voz de las fadistas:

· La saudade de la tierra

“Habiendo dejado el país que me vio nacer,

soy lo que nunca quise ser:

caminante perdida de nostalgias”

· O el sentido de la vida

“Somos esclavos errantes de la vida,

y de la angustia de vivir

somos una imagen abatida

de lo que quisimos ser”

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   lamardemusicas_fado.mp3   16-mar-09

El Rock and roll, es un género musical de ritmo marcado, derivado de una mezcla de diversos géneros del folklore estadounidense, como el rhythm and blues, el swing, el hillbilly o el country entre otros, y popularizado desde la década de 1950.^[]

El vocablo “rock” utilizado en la música deriva del término rock and roll y hoy día conserva dos significados según la Real Academia Española: en primer lugar, un género musical característico y popularizado en los años 50 (que se corresponde con la definición de rock and roll^[] ) y, en segundo lugar, cada uno de los diversos géneros musicales derivados a partir del rock and roll, que sería la definición del género contemporáneo música rock. Sin embargo, independientemente de estas definiciones, en la práctica existen muchos artistas dentro de la música rock que, sin realizar rock and roll de los 50, continúan denominando a su música rock and roll.

En tiempos de la esclavitud en los Estados Unidos las comunidades negras desarrollaron un potencial musical en el que predominaban los cánticos religiosos y ritmos propios que marcaban los días de trabajo en las diversas plantaciones que habitaban en aquel entonces. A nivel musical la influencia de los ritmos y sonidos africanos se hacían presentes generando un estilo propio y diverso que se materializaría en el gospel y en el blues, el cual se convertiría en el ingrediente musical que más tarde revolucionaría la música a nivel mundial. Por otro lado también la influencia de los músicos blancos a través del country y la aparición de la guitarra eléctrica daría nacimiento a lo que se llamó rhythm and blues, precursor del rock and roll, si no el mismo ritmo con nombre diferente.

En 1951, el locutor de radio Alan Freed, a través de un amigo que era dueño de una pequeña tienda de discos en Cleveland, se entera del aumento en las ventas de discos de rhythm and blues, género musical netamente interpretado por artistas negros, pero que comenzaba a llamar la atención de los jóvenes blancos por el sonido potente. Esto le motivó a que el 11 de julio de ese mismo año sacara al aire el primer programa de rhythm and blues para una audiencia blanca. El programa se llamó primeramente “Moondog”.

El programa tuvo un gran éxito y no se hicieron esperar las críticas racistas típicas de los 50 por lo que Alan empezó a llamar Rock N’ Roll a los discos de Rhythm & Blues tratando de calmar la polémica, ya que el Rhythm & Blues era un tema tabú entre la población blanca y casi no había Rhythm & Blues” sonando en la radio desde que se creara el género a finales de los años 40. Hasta la llegada de Alan Freed el Rhythm & Blues se conocía principalmente en los barrios negros, incluso, en 1948 hubo una prohibición hacia las discográficas de hacer grabaciones de Rhythm & Blues, viéndose obligados los músicos negros a grabar clandestinamente entre los años 48 y 50.

Visto lo visto y teniendo en cuenta que el formato de los discos cambió en ese momento del 78 rpm al 45 rpm, Alan Freed tuvo que renombrar su programa de radio porque tenía miedo a lo que pudiera pasar. Así el programa pasó a llamarse “Moondog Rock & Roll Party” y el éxito del mismo siguió en ascenso. Sin embargo, la presión racista ejercida sobre él lo lleva a pensar en terminar el programa, por lo que decidió realizar lo que se conoció como el primer concierto de Rock & Roll. En marzo de 1952 tiene lugar el “Freed’s Moondog Coronation Ball”. El mismo tuvo lugar en el “Cleveland Arena”, con capacidad para 10.000 espectadores. El cartel ofrecía lo mejor del “Rock N’ Roll” que no dejaba de ser lo mejor del Rhythm & Blues del momento: Paul Hucklebuck Willians, Verete Dillard, The Dominoes y Tiny Grimes. Casi un 70% de los asistentes eran jóvenes blancos mientras que se calculan otras 10.000 personas negras dejadas afuera. Mientras Paul Hucklebuck Willians hace su presentación, la gente que se había quedado afuera, derriba las puertas y se armó la gran trifulca, acabando con el concierto.

Así tomó forma el término de este nuevo género que cambiaría el mundo musical. En 1954 Alan Freed se traslada con su show a la emisora WINS en New York dando inicio a la emisión de su programa a nivel nacional, presentando al mundo entero el “Rock N’ Roll”.

Ese mismo año, Bill Haley & His Comets grabarían el disco Crazy man crazy y su tema Rock around the clock sería todo un gran éxito. Para muchos críticos musicales este tema sería considerado como el inicio definitivo del Rock N’ Roll.

Otros, sin embargo, consideran como creadores del Rock N’ Roll a Little Richard o a Elvis Presley y eligen también como fecha del comienzo a 1954, año en el que Elvis editó su primer disco. Entre los músicos destacados de la época se pueden citar también a Jerry Lee Lewis, Bo Diddley, Chuck Berry, Fats Domino, Buddy Holly o Gene Vincent, entre otros.

A pesar de todo, la vida del Rock N’ Roll fue corta y para 1957 muchos pensaban que el rock’n'roll estaba muerto, que todo había sido una efímera moda como muchas otras. El roquero salvaje, lascivo e insolente fue reemplazado rápidamente por una generación de “ídolos juveniles” educados, bien vestidos y románticos que dominaron las ondas sonoras hasta 1965. En el mejor de los casos, el Rock N’ Roll fue fusionado con la música country para producir una forma de música más “tradicional” y blanca para los jóvenes, como fue el caso de los Everly Brothers.

Elvis y los demás rocanroleros también fueron tendiendo hacia las baladas y su música se fue apartando de los orígenes.

Mención aparte merecen en esta historia las mujeres que, siguiendo la moda, se lanzan también a reivindicar su espacio en la música y, en general, en la sociedad. Así el movimiento Rock N’ Roll se llena de mujeres que no sólo acompañan a sus cantantes favoritos y bailan frenéticamente, sino que llenan las ondas con sus canciones. Entre las rebeldes de esta generación podemos encontrar a Georgia Gibbs, Patsy Cline, Dorothy Collins o Laura Lee Perkins, entre otras, que abrirían paso a la reina Jenis Joplin que en los años 60 sería seguida por miles de fans.

A partir de los años 60, cuando el rock and roll decae y deja de ser el ritmo que representaba a los jóvenes rebeldes de los 50, da paso al género denominado rock que marcaría un hito entre la naciente generación joven de los 60. Del rock and roll nacieron distintos subgéneros como el rockabilly, el Twist, el doo wop o el hard rock, ^[]del que han derivado géneros como el heavy metal, el garage rock, el punk rock, el rock progresivo o el Glam. Entre todos ellos siguen existiendo elementos comunes provenientes del rock n’ roll. Así, Lennon definió al Glam como “rock n’ roll con pintalabios” y a algunos artistas de hard rock o heavy metal como Motörhead o AC/DC les agrada definirse como músicos de Rock N’ Roll.

A finales de los 50 y comienzos de los 60 el rock n’ roll llegó a la península posiblemente a través de los soldados americanos de la base de Torrejón de Ardoz en Madrid que aportaron la nueva onda musical, en un tiempo en que todo lo extranjero era observado de reojo, denostado y anatematizado. La influencia de Elvis Presley no fue bien vista por las autoridades de la dictadura; sin embargo, la juventud estaba harta de pasodoble y copla y se engancharon a los nuevos ritmos, sobre todo al Twist que en aquellos momentos estaba dando la vuelta al mundo. Aparecen así en el panorama musical grupos e intérpretes como Los Sirex, Mike Ríos, el Dúo Dinámico, Los Brincos, Los Bravos, Micky y los Tonys y un largo etcétera.

Y… a pesar de todo, ¿quién puede decir que el rock n’ roll ha muerto?

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  lamardemusicas_rockandroll.mp3  23-feb-09

El country, conocido también como country & western, es un estilo musical surgido en los años 20 en las regiones rurales del sur de los EEUU. Combinó en sus orígenes la música folclórica de algunos países europeos de inmigrantes, principalmente Irlanda, con otras formas musicales ya arraigadas en Norteamérica, como el blues, la música gospel e, incluso, la música ranchera mexicana. El término country comenzó a ser utilizado en los años 40 en detrimento del término country & western, terminando de consolidarse en los 70.

El country tradicional, se tocaba esencialmente con instrumentos de cuerda, como la guitarra, el banjo, el violín sencillo (fiddle) y el contrabajo, aunque también intervenían frecuentemente el acordeón (de influencia francesa para la música cajun y el zydeco), y la armónica. En el country moderno se utilizan sobre todo los instrumentos electrónicos, el dobro (guitarra acústica con un resonador metálico en la parte delantera) o la steel guitar.

La familia Carter (The Carter Family) fue la primera en grabar en disco una canción country, junto a Jimmie Rodgers, consolidando este género musical con el nombre inicial de “hillbilly”, etiqueta esta que se usaría para clasificar los discos  dirigidos a la audiencia de raza blanca y rural del sur de los EEUU. La  familia Carter grabaría viejas baladas y canciones sentimentales, usando técnicas vocales e instrumentos tradicionales del sur de los Apalaches. Jimmie Rodgers, por su lado, se orientó hacia el blues y el sonido del oeste, introduciendo los yodels, una forma muy personal de entender los cantos suizos (yodels), rozando el falsete. Ambos influyeron con sus respectivos estilos a numerosos cantantes que les sucedieron.

Tras la abolición de la “ley seca”, empezaron a nacer en Texas salas de baile donde se podía beber, bailar, cantar y charlar. A esta relación se la denominó honky-tonking (ir a ligar) y a los locales honky-tonks. Cuando la música hillbilly, que comenzaba a conocerse ya como country por designio de las discográficas, entró en los honky-tonks sufrió numerosas transformaciones para adaptarse a estos garitos donde predominaba un fuerte sonido de fondo (voces, tintinear de vasos y botellas…). Los guitarristas marcaban el ritmo de las canciones tocando las seis cuerdas a la vez, creando el efecto de percusión típico del estilo que se denominaría también honky-tonk. En los años 40 fueron sobre todo cantantes como Pete Seeger y Hank Williams los que contribuyeron a su creciente popularidad.

En la década de los 50 la música country adquirió elementos del rock and roll convirtiéndose en el vigoroso “rockabilly” de Johnny Cash, entre otros. Si bien se pueden escuchar hoy en día toda clase de variantes del country, el que se combina con el rock, y más recientemente con el pop, es el que más éxito tiene ante el gran público poco entendido. Artistas como Kenny Rogers, Shania Twain o Faith Hill, originalmente cantantes de country, venden millones de discos, gracias al marketing y a la publicidad de sus canciones que se acercan mucho al rock y al pop.

El término country actualmente es un cajón de sastre en el que se incluyen diferentes géneros musicales: el sonido Nashville (más cercano al pop de los años 60), el bluegrass (popularizado por Bill Monroe y Flatt and Scruggs, basado en ritmos rápidos y virtuosísimos, interpretados con mandolina, violín y banjo), la música de las películas westerns de Hollywood, el western swing (una sofisticada música basada en el jazz y popularizada por Bob Wills), el cajun (una expresión de lírica francesa con formas derivadas de la polca y que evolucionó en la Louisiana rural francoparlante), el zydeco (combinación de R&B con música creole donde domina el sonido de la acordeón), oldtime (música folk aterior a 1930), el honky tonk, el rockabilly o el Country neo-tradicional. Cada estilo es único en su ejecución, en el uso de ritmos y acordes, aunque muchas canciones han sido adaptadas para los diferentes estilos. Por ejemplo, la canción “Milk cow blues”, una antigua melodía blues de Kokomo Arnold ha sido interpretada en una amplia variedad de estilos del country, desde Aerosmith a Bob Wills, pasando por Willie Nelson, George Strait, Ricky Nelson o el mismísimo Elvis Presley.

En los últimos años de la década de los 60, con el afloramiento del hippismo y la psicodelia, aparecen las bandas de country rock (conocidas también como bandas de rock sureño), especialmente tras la separación de grupos emblemáticos como The Byrds o Buffalo Springfield. Así aparecen los Flying Burrito Brothers, Poco, Crosby, Stills, Nash & Young o New Riders of the Purple Sage. En la década de los años 70 el género se consolidó y algunos de los grupos citados consiguieron importantes ventas en todo el mundo, como Poco con su tema Rose of Cimarron en 1976. El enorme éxito alcanzado, al comienzo de la década, por las bandas de blues sureño como los Allman Brothers Band y, más tarde, Lynyrd Skynyrd favoreció igualmente el despegue del género y la aparición de una gran cantidad de bandas, entre ellas, la Charlie Daniels Band. De entre todas las bandas aparecidas en este contexto, la que alcanzó mayores ventas fue, sin duda, Eagles, el grupo formado por Randy Meisner tras dejar a Poco, y por Bernie Leadon, que abandonó a los Burrito en 1971. El quinto de sus álbums, Hotel California, supuso el punto álgido, en cuanto a éxito popular del género y, a la vez, del grupo.

A finales de la década, el género ya no estaba de moda, en parte por el giro que el rock dio hacia el punk, en parte porque el circuito del country no había acabado de asimilarlo aunque sí asumió parte de sus planteamientos instrumentales. No obstante, las bandas de country rock continuaron durante la década de los 80 e, incluso, en los años 90, aparecieron nuevas bandas de rock que recogieron parte del legado sureño como los Brothers Brooks y los Black Crowes.

Hubo un tiempo en el que este género estaba relacionado con el campesinado norteamericano, con gente de cara colorada, vaqueros raídos de marca desconocida, botas manchadas de barro, sombrero tejano de mimbre y manos callosas con tufillo a vaca. Hoy, sin embargo, una parte de la sociedad se ha sumado al ritmo contagioso y bailarín de la música country, visten vaqueros de diseño, sombreros Stetson y camisas blancas, rojas y negras. Ya no es una música para campesinos, puede oírse en los más sofisticados garitos de élite norteamericanos, canadienses, australianos o europeos.

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  lamardemusicas_country.mp3 09-feb-09