Chaabi significa “popular” en árabe y cada país árabe-musulmán tiene su propia música Chaabi o chaabiya, es decir, su propia música popular.

Esta música está más cercana a las aspiraciones populares y se desarrolla siempre en las zonas urbanas en oposición a la música clásica y culta religiosa más aceptada oficialmente.

Según el legado histórico y las poblaciones específicas de cada país, esta música popular tendrá características específicas y diferentes colores regionales.

Por otro lado, el Chaabi no debe ser confundido con la música folclórica, a pesar de que los artistas de Chaabi se inspiran en la herencia popular de cada país.

Es en Marruecos, Argelia y Egipto donde este género se ha desarrollado más profusamente:

 

• La música chaabi es la más popular en Marruecos. Es la que más se escucha por la radio, la que más se graba en los discos que proliferan en tiendas y puestos callejeros, haciéndose oír constantemente en el bullicio de sus calles-mercado.

Es una música alegre y sencilla, muy emparentada con la tradición bereber y la gnaua, música esta que proviene de las antiguas ceremonias de los esclavos guineanos que pasaban por Marruecos rumbo a América, mezclándose todo ello con otros elementos árabes modernos.

En general, suelen ser canciones en las que un solista es constantemente respondido por un coro o instrumento, las más de las  veces un violín, que además de frasear insistentemente, puede hacer improvisaciones excitantes; todo ello acompañado con unas percusiones típicas que imprimen un ritmo frenético y el sonido grave y profundo del guimbri o sentir, instrumento de origen sudanés que asemeja un bajo fabricado en tosca madera y piel con tres cuerdas de tripa. Además, no es raro encontrar el sonido del oud, el laúd árabe, y en los últimos años instrumentos más modernos como guitarras eléctricas y sintetizadores.

Tradicionalmente, las canciones de chaabi comienzan con una introducción lenta y exploratoria para llegar a una sección final rápida, llamada leseb.

Podemos decir que los fundadores del chaabi, entre la década de los 50 y los 60, seríanAbdelwahab Doukali y Hamid Zahir que aún siguen siendo dos de los nombres más populares.

Abdelwahab Doukali es una figura ecléctica dentro del mundo artístico marroquí. A lo largo de su trayectoria, ha cantado, ha hecho teatro y cine, ha pintado y ha compuesto música. En el 2001 fue galardonado por el Gobierno Marroquí por su aportación a la cultura, y en especial a la canción, marroquí.

Durante los años 70, disminuyó el ritmo de grupos de chaabi y el sonido se inspiró tanto por la música India y los Beatles como por el pop egipcio. Tres grupos, Nass El-Ghiwane, Jil Jilala y  Lem Chaheb, encabezaron ese momento.

Posiblemente el más popular fuera Nass El-Ghiwane que comenzó como un grupo de teatro político de vanguardia en Casablanca en 1971. Esta banda de raíces-fusión formada por cinco personas cantaba canciones de trance hipnótico, cargadas de mensaje. El vocalista Boujmia criticó a los poderosos y cantó exaltando a los pobres. Desde su muerte en comienzos de los 80, el cuarteto restante ha continuado con un fuerte sabor de la música Gnawa árabe-africana en su sonido.

Desde los años 80, sin llegar a perder las raíces de la tradición, el chaabi se ha ido poperizando. Los grupos más jóvenes van incorporando a la música nuevos elementos más actuales tanto en sus mensajes que se llenan de temas más amorosos y relaciones entre los jóvenes, así como de instrumentos más eléctricos. Además la televisión y las discográficas lanzan los vídeos y los discos tanto en Marruecos como en Europa donde el reciente disco Casbah de Muluk el Hwa, a pesar de ser un grupo más acústico y tradicional, ha vendido más de 200.000 copias en España.

De esta época, así mismo, podemos destacar el éxito de Nayat Aatabou, una mujer con estilo propio y personales letras de contenido social y feminista; Khaled Benani, Faissal o la Orquestra Jidwan (Jedwane).

• En Argelia el chaabi es uno de los géneros musicales más populares aunque con una música más tradicional que en Marruecos porque la evolución moderna se ha extendido más hacia el Raï, la música popular más escuchada actualmente en Argelia. Uno de los precursores del chaabi argelino, lo podemos encontrar en El Hadj El Anka gran maestro de la canción muerto en 1978 en Argel.

El chaâbi argelino mezcla instrumentos de la cultura arabo-andalucí con otros provenientes de la música clásica occidental. Así podemos encontrar instrumentos de percusión como la darbuka y la pandereta o tar y los de cuerda como la mandole (una gran mandolina con cuatro cuerdas dobles), el violín y el banjo, sin olvidar el kanun o cítara árabe.

Los violinistas de chaabi siguiendo la tradición árabe-andaluza utilizan siempre su violín verticalmente. Con respecto a la mandole, ha sustituido al oud, el laúd de Oriente. No es raro escuchar también el piano. Sin embargo, ningún instrumento eléctrico es aceptado, excepto a veces los teclados.

Las canciones de chaabi argelino se nutren de la poesía antigua, arropados de vez en cuando de textos originales de temas de actualidad también, siempre con un transfondo sobre el patrimonio, la queja ancestral y la nostalgia del país. Comparte, así mismo, muchos temas con el flamenco: el amor, la pérdida, el exilio, la amistad o la traición. Además es parte de una tradición profundamente conservadora y sus letras a menudo llevan un fuerte mensaje moral. La característica de una típica canción es su tono triste acompañada de la orquesta donde se mezclan momentos de instrumentos de cuerda con otros de percusión.

Aunque al principio el Chaabi en Argelia era un género escandaloso y floreciente detrás de las puertas cerradas de los cafés donde se fumaba cannabis y se bebía alcohol, prohibidos por la religión, poco a poco fue saliendo de ese círculo y para finales de la década de 1950 se había convertido ya en la música popular, usada para bodas y fiestas religiosas.

• Después de la derrota de Egipto por Israel en la guerra de 1967, nuevos sonidos musicales entran a través de El Cairo, sin embargo, los egipcios jóvenes buscaron maneras diferentes de reafirmarse en su mundo y volvieron la vista hacia la música tradicional conocida en Egipto como Al Jeel. En los barrios de clase obrera, estos temas tradicionales se van convirtiendo en un nuevo sonido temerario al que se le llamó sha’abi. Al contrario que en Argelia, el género se urbaniza y se moderniza, en el mayor de los casos usando los instrumentos occidentales y eléctricos junto a otros más tradicionales.

Los músicos popularizan formas cortas y las líricas de sus canciones se ocupan de temas sociales cotidianos, yendo en paralelo con el desarrollo de la clase obrera, temas de corte sexual e, incluso, temas en contra de lo extranjero. Es frecuente escuchar en las calles o leer en los diarios el gran poder que tiene esta música para incitar a la violencia, las letras vulgares de doble sentido, la poca preparación vocal de los cantantes o la forma inmoral en que se baila.

Desde los años 90, las estrellas jóvenes del sha’abi como Hakim, Khaled Agag, El Asmar, Magdy Talaat de Hassan, y Magdy Shabin llenan las discotecas y los conciertos. El género se llena de sintetizadores y de cajas de ritmos electrónicas. La juventud egipcia con su música se hace notar a través de África del norte. Una generación agitada de adolescentes anuncia su presencia y su franqueza por las nuevas ideas y tendencias del sha’abi.

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  lamardemusicas_chaabi.mp3   03-jun-10

El Charleston se origina a comienzos del siglo XX como danza folclórica afroamericana en la ciudad de Charleston, Carolina del Sur, en los Estados Unidos y presenta semejanzas con algunas danzas de Trinidad, Nigeria y Ghana.

Un coreógrafo llamado Ned Wayburn afirmaba ser el creador de los famosos pasos de baile del Charleston habiéndolos presentado a finales de 1923 como parte de la revista musical Follies. Sin embargo, el ritmo fue popularizado por una melodía de 1923 llamada The Charleston escrita por el compositor y pianista de jazz James P. Johnson. La melodía formaba parte del musical Runnin’ Wild que triunfó durante varios meses y que se convertiría a la postre en uno de los éxitos más populares de la década en Broadway.

Hacia 1925 no había orquesta de baile en los Estados Unidos que no hubiera adoptado el charleston en su repertorio.

El 3 de enero de 1926, en el Hotel Metropole de Londres, un grupo americano presentó el Charleston como parte de una revista y, lo que había sido un éxito en los Estados Unidos, se transformó en locura mundial. El Charleston se impuso como el baile de moda más popular.

El Charleston fue un ritmo, pero también un símbolo que caracterizó a una época de despreocupación mucho antes de que la crisis del 29 y la  Segunda Guerra Mundial llegaran para arruinar el panorama.

Después de los horrores de la primera guerra mundial, la gente joven sólo quería pasarlo bien. Se deshicieron de todos los convencionalismos para adoptar una vida más frívola. Los hombres y mujeres bailaban sin parar los nuevos ritmos del jazz y el Charleston considerados como una influencia diabólica para la juventud.

El baile dejó de ser un pasatiempo para convertirse en una competición. La gente joven salía todas las noches. Las mujeres se maquillaban, fumaban y la moda evolucionaba, incluso algunas llevaban pantalones. Todo lo que importaba era divertirse y disfrutar. Las actuaciones musicales de Louis Armstrong en las veladas del famoso Cotton Club de Nueva York, se prolongan hasta la madrugada y el enérgico Charleston estaba inevitablemente unido a las caras sonrientes de los bailarines. En esa misma época la mítica bailarina de cabaret Josephine Baker, «La Venus de Ebano», triunfa por todo el mundo con su espectáculo en el que se desnudaba, creando la polémica y el estupor entre las damas de la alta sociedad del momento.

Socialmente, los años veinte fueron años "felices", años locos, "la década del jazz "como la denominó el escritor norteamericano Scott Fitzgerald por el éxito de músicos como Duke Ellington o Louis Armstrong; Fueron los años del tango y del Charlestón, del deporte y del cine, de los night-clubs y los cabarets, de Josephine Baker y de Maurice Chevalier. Las implicaciones de aquel cambio eran, con todo, muy significativas y en cierta medida, trascendentes. La aceptación de los ritmos musicales populares se tradujo al mismo tiempo en una expansión generalizada y en la pérdida de su particular conceptualización peyorativa.

En este contexto, el movimiento sensual y sugerente del charleston, es parte importante de su popularidad, y más en una época en que se permite percibir cierta liberalización sexual. Además como el resto de músicas, se convierte en un bien de consumo inmediato, festivo, proceso al que ayuda la invención de elementos de transmisión como la radio, el fonógrafo o el cine musical.

En los años 20, como reflejo de los cambios que originó la primera guerra mundial en la situación de la mujer, algunos sectores femeninos minoritarios de la élite social y de sectores medios que tenían oportunidad de viajar y de leer, adoptaron actitudes y comportamientos que reñían con el ideal virginal y ascético de la mujer tradicional. La nueva mujer acentuaba su sensualidad en los bailes, reforzada con ropajes más ajustados, maquillajes exagerados, el uso de pantalones y el cigarrillo entre los labios.

La sofisticación en el vestir, el afán de lujo, el flirt, la coquetería, los deportes, las inquietudes intelectuales y artísticas de este segmento femenino, frecuentemente encontró resistencias, censuras  y burlas tanto de la prensa católica como de sectores tradicionales de la sociedad, sobre todo masculinos.

Como todas las cosas tienen que terminar, la moda fue decayendo y ya en 1927 el Charleston estaba desapareciendo empujado por nuevos ritmos como el Black Bottom y más tarde el Quickstep.

Hoy en día el Charleston es una danza importante en la cultura Lindy Hop. El Lindy Hop suele describirse como una danza jazz miembro de la familia de baile del swing. Basado en el popular Charleston, revivió en la década de 1980 por coreógrafos y bailarines estadounidenses, suecos y británicos. El Charleston encuadrado en el lindy hop se puede bailar, al igual que el antiguo, en solitario, con un compañero formando pareja o en grupos de parejas.

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  lamardemusicas_charleston.mp3   13-may-10

El bluegrass es un estilo musical que tiene sus raíces en la música tradicional de Inglaterra, Irlanda y Escocia llevada por los inmigrantes de las Islas Británicas a la región de los Apalaches, aunque sufrió también influencias de estilos musicales afroamericanos, principalmente del blues y del gospel.

Aunque las montañas Apalaches se extienden de norte a sur en la costa este desde Terranova y Labrador en Canadá hasta Alabama en los EEUU, Los estados donde más se ha desarrollado el bluegrass son Carolina del Norte y Carolina del Sur, Georgia, Virginia, Tennessee, Kentucky y Alabama.

El nombre bluegrass procede del nombre del área en que se originó, llamada "región Bluegrass", que incluye el norte del estado de Kentucky y una pequeña parte del sur del estado de Ohio. A su vez, la región tomó su nombre de la palabra "bluegrass" ("hierba azul"), nombre común de la poa de los prados, una gramínea del género Poa, frecuente en la zona. Bill Monroe, llamado el "padre del bluegrass" fundó en 1939 el grupo Blue Grass Boys, cuyo nombre era un homenaje a su estado natal, Kentucky. Este es el origen de la utilización del término para designar el estilo musical. El término no se popularizó en Estados Unidos hasta los años 50.

La música bluegrass es interpretada por bandas cuyos instrumentos principales suelen ser guitarra, banjo, mandolina, violín y bajo, a los que  se añade en ocasiones el dobro, una guitarra acústica que en la tapa anterior presenta un gran agujero circular cubierto por un disco metálico llamado resonador.

La parte vocal es armonizada en dúo o trío, siempre con una voz muy alta de característico sonido desgarrado y cautivante conocido como "high lonesome sound". En cuanto a la letra cuentan historias sencillas de tipo dramático, amoroso o religioso vistas desde el punto de vista de un montañés.

El bluegrass se desarrolló como género musical en la segunda mitad de los años 40. Aunque suele darse a Bill Monroe el título de "padre del bluegrass", en realidad las raíces del estilo son anteriores, remontándose a las antiguas bandas de cuerda rurales y mineras del siglo XIX, populares en varios estados del sudeste de Estados Unidos. A partir de 1945, el grupo de Monroe incorporó a sus filas al intérprete de banjo Earl Scruggs, creador del llamado "estilo Scruggs" de tocar el instrumento y que posteriormente todos los banjistas han incorporado. La etapa de los Blue Grass Boys entre 1945 y 1948 es el momento de consagración del género, creándose en esta época el característico sonido y la configuración instrumental considerados canónicos del bluegrass.

A finales de los 40, otras bandas comenzaron a cultivar este mismo estilo. Los primeros fueron los Stanley Brothers, quienes grabaron en 1947 la canción tradicional Molly and Tenbrooks al estilo de los Blue Grass Boys y en 1960 grabaron Rank Strangers uno de los temas más clásicos de bluegrass, elegido por la Biblioteca del Congreso como una de las grabaciones de audio culturalmente significativas que se ha agregado al registro nacional de grabaciones para su preservación.

A la generación de los pioneros le seguiría una generación de músicos de bluegrass que dominó la escena musical hasta mediados de la década de 1960. Uno de los más conocidos fue el guitarrista Lester Flatt, conocido en sus comienzos como miembro de la banda de Bill Monroe durante la década de 1940 y posteriormente por su pertenencia al dúo los Foggy Mountain Boys junto a Earl Scruggs. En los 60 Flatt publica varios discos de renombre junto a su propio grupo The Nashville Grass. Junto a Flatt nos encontramos a otro músico de banjo originario de Carolina del Sur, Don Reno. Don perteneció a la banda de Bill Monroe, pero enseguida la dejó para tocar con Red Smiley formación con la que tocó durante 14 años. Tras su disolución colaboró con el guitarrista Bill Harrell, con los Good Ol ‘ Boys e incluso con sus hijos.

A mediados de los 60 entró en escena una nueva generación de músicos, generalmente formados en bandas de la generación anterior. Los más importantes son el músico de mandolina originario de Tennessee Doyle Lawson y líder del grupo Quicksilver y el guitarrista de Virginia Tony Rice, considerado como uno de los músicos más influyentes de la guitarra acústica en bluegrass, bluegrass progresivo, jazz acústico y newgrass.

En esta segunda generación comenzó a desarrollarse la variante del estilo conocida como bluegrass progresivo, uno de los dos subgéneros  principales de la música bluegrass. El otro es conocido como newgrass. El término es atribuido al miembro de los New Grass Revival, Ebo Walker. Los elementos distintivos del bluegrass progresivo son la instrumentación que incluye instrumentos eléctricos, batería y piano; canciones importadas o estilos imitados de otros géneros musicales como el jazz o el rock, entre otros, y progresiones no tradicionales así como largas improvisaciones.

La tercera generación alcanzó la primacía a mediados de los años 80, y supuso varios cambios importantes en el desarrollo estilístico del bluegrass. El bajo eléctrico sustituyó definitivamente al bajo acústico, aunque los restantes instrumentos del conjunto han continuado más o menos siendo acústicos. Se hizo menos frecuente la utilización de la guitarra rítmica. Algunas bandas desarrollaron un estilo similar al conocido como "muro de sonido" ("wall of sound"), técnica de producción de música para grabaciones de música pop y rock, desarrollado por el productor Phil Spector en los estudios Gold Star durante la década de los 60. Spector creaba un sonido reverberante mediante una cámara de eco, denso y en capas que se reproducía bien en radio AM y en las máquinas de música populares en la época. Por otro lado, la mayoría se abren a otros géneros, principalmente al country.

Destacan grupos como los georgianos Russell Moore & IIIrd Tyme Out y los Lonesome River Band.

A esta generación pertenece también la que es en la actualidad la intérprete más exitosa de este estilo, la cantante y violinista Alison Krauss. Alison junto a su grupo Union Station ha conseguido varios discos de platino y 27 Premios Grammy, siendo la mujer que más Grammys ha ganado como solista o en grupo, como productora y como colaboradora. Está a sólo cuatro Grammys del récord absoluto, ostentado por Sir Georg Solti, director de orquesta húngaro nacionalizado británico. Alison por otro lado ha diversificado su temario musical, yendo desde el pop al bluegrass, pasando por el country, el gospel o el blues.

A pesar de que la música del grupo Nickel Creek tiene sus raíces en el bluegrass, el grupo se describe a sí mismo como acústico progresivo por su acercamiento al pop independiente conocido como Indie. La banda ha insistido en que no son una banda de bluegrass, pero sí una banda que incorpora el bluegrass en su música. Nickel Creek está formado por tres miembros permanentes: Chris Thile (mandolina), Sara Watkins (violín) y su hermano Sean Watkins (guitarra). A estos se le agrega un bajista para las grabaciones y las giras que ha ido cambiando a lo largo de los años de existencia de la banda.

Por último, un caso muy especial dentro del bluegrass. Nuestro personaje surgió del seno del grupo de bluegrass progresivo New Grass Revival con los que empezó a explorar nuevas tendencias y posibilidades del bluegrass. Estoy hablando del banjista Bela Fleck quien tras dejar la New Grass Revival formó su propio grupo The Flecktones. Desde sus inicios y hasta la actualidad el grupo ha desarrollado un nuevo sonido donde se conjugan el bluegrass, el jazz y la fusión con otras músicas étnicas.

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  lamardemusicas_bluegrass.mp3  06-mayo-10

La tarantela es una música y un baile popular del sur de Italia, de las regiones de Puglia, Basilicata, Calabria, Molise, Campania y Sicilia. Es una música y un baile que tiene un movimiento muy vivo. En su forma moderna más común, es una danza de galanteo entre parejas con una música en un compás de seis por ocho que va aumentando progresivamente de velocidad y que va acompañada de castañuelas y de panderetas. Tiene dos partes bien diferenciadas: una en tono menor y otra mayor.

El nombre "tarantella" deriva probablemente de la palabra "taranta", término usado en los dialectos de las regiones del sur para designar a la Tarántula o Lycosa tarentula, una araña venenosa del sur de Europa. Las músicas de la tarantella estarían ligadas a una danza que serviría de terapia para la picadura de la Tarántula. La tradición relacionaba el veneno de esta araña con diferentes efectos: melancolía, convulsiones, agitación, dolor físico, confusión mental y sufrimiento moral. Quien era mordido o creía ser mordido por una tarántula o por otros animales como escorpiones o insectos diversos tendían a un dinamismo exagerado y utilizaban esta terapia coreo-musical que debido a la insistencia de la danza expulsaba el veneno a través del sudor. La leyenda popular creía asimismo que era particularmente eficaz en la fiesta de San Pedro y Pablo. No todas las formas de la tarantella estaban vinculadas a ese fenómeno. También era una música de baile para ocasiones públicas como días del santo patrón, peregrinaciones a los santuarios, aniversarios agrícolas o para ocasiones privadas como bodas, bautizos, etc. como expresión de la religiosidad y la alegría de un pueblo.

Algunos historiadores musicales afirman, por su lado, que el origen del término está relacionado con el nombre de la ciudad de Tarento, antiguamente llamado Tarantedde y en la actualidad Taranto en italiano.

La primera fuente histórica que habla de la tarantella se remonta a principios del siglo XVII y aún el baile estaba ligado al fenómeno complejo y ritual del Tarantismo. Sin embargo, no es posible saber con certeza la forma del baile en esos siglos por falta de anotaciones coreográficas. En el siglo XIX la tarantella se convirtió en uno de los emblemas más conocidos del Reino de las dos Sicilias y su nombre ha reemplazado los nombres de varias danzas preexistentes de distintas áreas del sur de Italia, además se convirtió en la más famosa danza italiana en el extranjero.

Por otro lado, muchos compositores clásicos fueron inspirados entre el siglo XVIII y el siglo XX por los patrones y los ritmos de las músicas de la tarantella tradicionales del sur italiano. Sus composiciones constituyen una tarantella culta. Probablemente la composición culta más famosa sea la obra titulada “La Danza” compuesta para piano y orquesta por Gioachino Rossini. Esta obra sirvió así mismo en el siglo XIX como fondo en el ballet de La Boutique Fantastique, coreografiado por Mjasin de Léonid para los Ballets Rusos de Serge Diaghilev.

A lo largo de las tierras del sur de Italia y en Sicilia existen diferentes tipos de tarantella.

Vamos a hacer un pequeño repaso empezando por la Tarantella montemaranese vinculada actualmente al carnaval de Montemarano en la Campania. No obstante en otros tiempos se practicaba en toda la parte media y alta del Valle del río Calore al cual pertenece Montemarano.

En la zona de Calabria se interpreta la Tarantella calíbrese. Tiene una serie de variaciones en cuanto al ritmo. Su ritmo en 6/8 también es reconocible en el respaldo del tambor que acompaña a los tradicionales "Gigantes". Hasta hace unas décadas el baile era reservado a los hombres.

LaTarantella pugliese es ocida popularmente como Pizzica. La pizzica es tradicional de Salento, aunque originalmente estaba diseminada por el este de Apulia y Basilicata.

Gargano, también conocida como la Espuela de Italia es una subregión de Italia que coincide con el promontorio que se expande en la parte norte de Puglia y que corresponde a la parte occidental de la provincia de Foggia. Está totalmente rodeado por el mar Adriático, excepto al oeste que limita con el Tavoliere. De esta región nos llega la tarantella conocida como tarantella de gargano.

Para acabar este recorrido por los diferentes estilos de tarantella vamos a recalar en Campania de donde es tradicional la tarantella denominada tammurriata. En la actualidad representa una familia compleja de danzas con tambor, el tammorra de quien recibe su nombre, junto a panderetas y castañuelas.

En la actualidad la tarantella también está experimentando el mestizaje con otros ritmos y culturas creando una mixtura expresiva sin abandonar la frescura de la música tradicional.

Si os interesa la música y el baile de la tarantella, no podéis perderos el gran festival conocido como la Notte della Taranta.que es un gran festival que se celebra a lo largo del mes de agosto en diferentes localidades en la región de Salento culminando en el gran concierto final de Melpignano.

Para saber más de este gran festival podéis visitar su página web: www.lanottedellataranta.it/

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  lamardemusicas_tarantella.mp3   29-abr-10